PROGRAMME DE SALLE

Les concerts du Prieuré 

 17 juillet 2026, 19h, Église Saint Mayol

 Julien MARTINEAU mandoline 

Constant DESPRES piano 

Raffaele CALACE Préludio n°1 op.45 pour mandoline 

Raffaele Calace (1863 – 1934) est né à Naples dans une famille de luthiers spécialisés dans la mandoline. Dès son plus jeune âge, il se passionne pour la mandoline et devient rapidement un virtuose de l'instrument. Il a écrit environ 200 compositions pour mandoline, couvrant un large éventail de formats.Il parcourt l'Europe et le Japon, donnant des concerts de mandoline et de mandoloncelle (une variante basse de la mandoline) Raffaele Calace est considéré comme l'un des piliers du développement de la mandoline au début du XXᵉ siècle. Son travail de luthier a modernisé la construction de l'instrument, tandis que ses compositions et méthodes pédagogiques ont élargi le répertoire et la technique de la mandoline. L'atelier Calace, toujours actif, perpétue son héritage familial et son influence sur la scène musicale européenne et mondiale. 

Le Préludio No. 1, Op. 45, son œuvre la plus connue, est souvent citée comme un exemple typique de son style mélodique et technique, illustrant la virtuosité attendue des solistes de mandoline à l'époque romantique. 

Isaac ALBENIZ Asturias pour mandoline

 Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual, (1860 – 1909) est un pianiste et un compositeur espagnol particulièrement renommé pour ses œuvres pour piano inspirées de la musique folklorique espagnole et souvent transcrites pour guitare. Jeune prodige, il donne son premier concert à l'âge de quatre ans et, dès neuf ans, se produit avec son père à travers le nord de l'Espagne. Albéniz est aujourd'hui reconnu comme l'un des piliers du nationalisme musical espagnol, aux côtés d'Enrique Granados et de Manuel de Falla.. Ses œuvres majeures sont Chants d'Espagne (1886), suite de pièces pour piano dont le prélude est devenu célèbre sous le titre Asturias (Leyenda). Et Iberia (1905).

 Asturias (Leyenda)  a été composée initialement pour piano solo en 1892 dans la Suite Española, Op. 47, n° 5. C'est une pièce romantique inspirée de la musique folklorique du nord-ouest de l'Espagne,mais évoquant plutôt le flamenco andalou. Transcrite pour guitare classique , notamment par Francisco Tárrega et Andrés Segovia, elle est devenue l'une des pièces phares du répertoire de la guitare et l'une des œuvres les plus connues d'Albéniz. 

Maurice RAVEL Alborada del Gracioso (Miroirs) pour piano 

Maurice Ravel (1875-1937) est l'une des figures les plus influentes de la musique française du début du XXe siècle. Son œuvre, caractérisée par une grande diversité de genres, est le fruit d'influences allant de Couperin à la couleur et au rythme du jazz, ainsi qu'une fascination pour l'Espagne. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent le ballet symphonique Daphnis et Chloé (1909-1912), l'orchestration des Tableaux d'une exposition de Moussorgski (1922), le Boléro (1928), et ses deux Concertos pour la main gauche pour piano et orchestre (1929-1931). 

Alborada del gracioso (1905) est le quatrième mouvement de l'œuvre Miroirs (M. 43) Il est écrit pour piano solo et se caractérise par un rythme vif et des passages techniques exigeants, alliant virtuosité technique et couleur espagnole, Le titre espagnol signifie littéralement « aube » (alborada) et « bouffon » (gracioso), d'où la traduction courante Aubade du bouffon . 

Enrique GRANADOS Oriental (Danzas Espagnolas) pour piano 

Enrique Granados y Campiña (1867 – 1916) est un compositeur et pianiste virtuose espagnol considéré comme l'un des piliers du nationalisme musical espagnol, mêlant le romantisme européen aux rythmes et mélodies folkloriques de son pays. Ses œuvres les plus célèbres, Goyescas et les Danzas españolas, continuent d'être jouées et étudiées de nos jours. 

La Danza Española No. 2 "Oriental" fait partie de son cycle 12 Danzas españolas (Op. 37). Cette pièce écrite pour piano se distingue par sa mélodie simple et plaintive qui rappelle la musique arabe. 

Alberto GINASTERA Danzas Argentinas pour piano 

Alberto Evaristo Ginastera (1916 - 1983 ) est un compositeur argentin et l'un des plus illustres compositeurs latino-américains du XXe siècle. Censuré par la dictature de la Révolution argentine, il dut quitter son pays en 1970 pour s'établir en Suisse jusqu'à son décès. Son style combine rigueur classique, approche avant-gardiste et esprit folklorique argentin inspiré de la musique populaire, notamment des chants et des danses de l'Amérique du Sud. 

Danzas Argentinas est un ensemble de trois pièces pour piano solo. Alliant tradition folklorique et innovation musicale, elles représentent une étape majeure dans la carrière de Ginastera, - Danza del viejo boyero Danse du vieux boyar - Danza de la moza donosa Danse de la jeune fille gracieuse - Danza del gaucho matrero  Danse du gaucho amateur de mate. 

Raffaele CALACE Concerto n°2 (1er mouvement) pour mandoline et piano 

Composé dans le style romantique, le Concerto n° 2 pour mandoline et piano Op. 144 comporte trois mouvements et est dédié à A.S.E. Benito Mussolini. Le premier mouvement, « Maestoso », ouvre l'œuvre avec une sonorité dramatique et majestueuse particulièrement expressive. 

Christoph Wilibald GLUCK Le Ballet des ombres heureuses pour mandoline et piano

 Christoph Willibald Gluck (1714-1787) est un compositeur allemand de la période classique. Son œuvre a marqué la transition de l' « opéra seria » vers une forme plus dramatiquement cohérente et naturelle, visant à introduire le naturel et la vérité dramatique. C'est l'un des compositeurs les plus importants de la musique de la période classique dans l'aire germanophone. Ses œuvres majeures sont : Orphée et Eurydice (1762), Alceste (1767) et Iphigénie en Tauride (1779) souvent considérée comme son chef-d'œuvre. 

Le Ballet des ombres heureuses est un « ballet-pantomime » extrait de l'opéra Orphée et Eurydice et composé à l'origine pour flûte traversière et orchestre à cordes. Il constitue la 3 e scène de l'acte II, au moment où Orphée pénètre dans une des parties des Enfers, les Champs Elysées, séjour des âmes vertueuses, jardin de buissons fleuris où se trouve Euridice. Cette forme de ballet inséré dans un opéra est une spécificité de l'art lyrique français des XVIIe et XVIIIe siècles. La musique de ce ballet est un solo de flûte d'une grande beauté accompagné par les cordes de l'orchestre. Cette pièce comprend un menuet lent et très doux suivi d'une mélodie très expressive puis d'un retour au menuet. 

Vittorio MONTI Czardas pour mandoline et piano 

Vittorio Monti (1868-1922) est un compositeur et chef d'orchestre italien qui fit l'essentiel de sa carrière en France. Il a dirigé l'Orchestre Lamoureux, pour lequel il a écrit la musique de plusieurs ballets et opérettes. Son œuvre la plus connue est sa Czardas. Il s'agit d'une rhapsodie initialement composée pour violon, mandoline ou piano, inspirée par une danse hongroise, la « csárdás » . 

Julien MARTINEAU

 Julien Martineau est l'un des plus grands mandolinistes actuels. Passionnément engagé en faveur de son instrument, il a enrichi le répertoire de la mandoline en commandant des œuvres nouvelles à des compositeurs et en réalisant de nombreuses transcriptions de grandes pages du répertoire. A 19 ans, il remporte le prix Giuseppe Anedda au concours international de mandoline de Varazze (Italie). Soliste invité aux Victoires de la musique classique, il a fait ses débuts avec l'Orchestre Philharmonique de Radio France sous la direction de Rinaldo Alessandrini avec qui il a enregistré les concertos de Vivaldi et Calace (Naïve). En 2021, il est nommé Directeur Honoraire de la prestigieuse et plus importante organisation consacrée à la mandoline dans le monde : The Classical Mandolin Society of America. En octobre 2022, il préside le jury du Concours International de Mandoline de Tokyo. Ses collaborations concertantes avec des formations telles que l'Orchestre National du Capitole de Toulouse, l'Orchestre National de Bordeaux Aquitaine, Pygmalion, l'Orchestre Métropolitain de Lisbonne, l'Orchestre National de Lituanie, l'Orchestre National de Biélorussie entre autres, lui permettent de mettre en lumière la virtuosité mais aussi la délicatesse de son instrument, tout autant que ses concerts avec Vanessa Benelli Mosell, Bertrand Chamayou, Jean-François Zygel, Geneviève Laurenceau, Thibaut Garcia, Félicien Brut, Yann Dubost, Éric Franceries ou les chanteurs Roberto Alagna, Natalie Dessay, Sabine Devieilhe, Thomas Hampson, Florian Sempey. Son nouvel album de concertos enregistré avec l'Orchestre Victor Hugo (Mirare) présente La Cinquième Saison de Corentin Apparailly, véritable Harold en Italie pour mandoline, et le magnifique Concerto pour mandoline de Karol Beffa. Cet album succède à celui enregistré avec l'Orchestre National du Capitole de Toulouse (Naïve) ainsi qu'au conte musical de La Mandoline de Lviv avec Julie Depardieu (Privat/Gallimard). Directeur artistique-fondateur du Festival de Toulouse, Julien Martineau a été nommé Chevalier des Arts et des Lettres en 2024. Il s'est également vu décerner le Prix Déodat de Séverac de l'Académie du Languedoc. Professeur de mandoline au Conservatoire de Toulouse, il est titulaire d'un DEA en musicologie de Paris IVSorbonne et diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris en Histoire de la Musique. Son intérêt pour l'instrument se traduit également dans sa passion pour la facture. Depuis plusieurs années, Julien Martineau travaille avec Savarez, leader mondial des cordes pour guitare classique, afin de développer de nouvelles cordes pour mandoline utilisant les dernières innovations technologiques. Par ailleurs, il joue d'un modèle d'instrument conçu pour lui par l'un des grands luthiers actuels, le Canadien Brian N. Dean. 

Constant DESPRES

 Né en 2006 d'une mère indienne et d'un père français, Constant Despres vient au monde dans une famille de musiciens. Plongé très tôt dans un bain musical éclectique, il entend Miles Davis et Ravi Shankar autant que Wagner et Chopin et entre au Conservatoire de Toulouse avant ses 6 ans. À 11 ans, il joue dans « Prodiges le Grand Concert » accompagné par l'Orchestre National de Lille au Stade Pierre Mauroy devant 45 000 spectateurs et à la Halle aux Grains de Toulouse, le Concerto n° 23 de Mozart avec l'Orchestre du Royaume d'Aragon. Après son Prix de piano avec les Félicitations du jury et son Prix de Musique de Chambre au Conservatoire de Toulouse, il entre à 15 ans au Conservatoire Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe de MarieJosèphe Jude où il obtient en 2025 sa Licence avec les Félicitations du jury. Lauréat d'une quinzaine de concours, il est aussi intéressé par l'image et reçoit 4 fois le Grand Prix pour la plus belle vidéo classique du concours Music and Stars Awards. Il a reçu les conseils de Jacques Rouvier, François-Frédéric Guy, David Fray, Jérôme Granjon, François Chaplin. Il est l'invité de nombreux festivals tels que : Piano Pic, les Arts Renaissants, Festival du Comminges, Les Pianissimes, Piano en Valois, l'Esprit du piano, Jazz in Marciac, Festival de Toulouse… Il crée, avec le grand pianiste cubain Rolando Luna, le très original duo Rolando & Constant qui fusionne Classique et Jazz et dont le CD paraît en 2025 sur le label l'Esprit du piano. Persuadé que la musique ne connaît pas de frontière comme en témoigne son expérience avec le jazzman Rolando Luna, il partage aussi la scène avec le mandoliniste Julien Martineau ou le trompettiste Bernard Soustrot. Il est également dédicataire d'œuvres contemporaines des compositeurs Corentin Apparailly et Christian Lauba.

Les nocturnes du château

Vendredi 17 juillet 2026, 21h30, cour du Château

LE CONCERT DE L'HOSTEL DIEU

Antonio VIVALDI Concerto en sol mineur pour corde et basse continue RV 156

Le « concerto » est la forme musicale dans laquelle s'inscrit la plus grande partie de l'œuvre instrumentale d'Antonio Vivaldi (1678-1741).Si ce dernier n'en est pas l'unique créateur, c'est lui qui en a fait l'une des formes les plus importantes de la musique classique occidentale.
L'ensemble des concertos composés par Vivaldi est d'une extraordinaire variété. Le Concerto pour deux violons en sol mineur en est un exemple typique, alliant la virtuosité des cordes à la richesse harmonique de la basse continue.

Il comporte trois mouvements : 

- Allegro
- Adagio
- Allegro

Antonio VIVALDI Les Quatre saisons

Trois cents ans déjà que ce chef-d'œuvre a été composé !

Publiés à Amsterdam en 1725, les thèmes de cette fresque colorée et poétique sont encore sur toutes les lèvres... Et pourtant, point de lassitude devant l'inventivité de cette musique inspirée où les orages d'été succèdent aux tremolos hivernaux !

Antonio Vivaldi a probablement composé ses Quatre Saisons (Opus 8, n°1, 2, 3, 4) autour de 1716. Auteur de plus de 500 concertos, dont la moitié pour le violon, il a fait publier ses quatre concertos Le Printemps, L'Hiver, L'Automne et L'Été parmi les douze concertos du cycle Il Cimento dell'Armonia e dell'Invenzione op. 8 chez Michel Le Cène à Amsterdam en 1725.

On sait que les Quatre Saisons étaient déjà connues avant leur publication et qu'elles étaient très appréciées par des monarques d'Europe dont Louis XV qui en réclamait l'audition à toute occasion. Dès 1728, le Concert Spirituel les inscrit à son répertoire. Vivaldi les jouait lui-même au violon et pouvait compter sur l'excellence des musiciennes de l'Ospedale della Pieta où il enseignait à Venise pour l'accompagner.

Après la mort de Vivaldi, son œuvre s'est éteinte. Jusqu'au milieu du XXe siècle, elle n'est connue que de quelques érudits. En 1913, le musicologue Max Pincherle choisit de lui consacrer sa thèse de doctorat. C'est le début d'une redécouverte progressive.

www.concert-hosteldieu.com/nos-productions/quatre-saisons-vivaldi/

Les Quatre Saisons de Vivaldi sont une œuvre maîtresse du baroque, combinant virtuosité instrumentale, description picturale et structure formelle rigoureuse. Ce sont de véritables tableaux musicaux, inspirés de sonnets dont Antonio Vivaldi est l'auteur présumé et qui racontent le cycle et l'alternance des saisons, chacune avec ses propres caractéristiques. Les effets sonores descriptifs (figures rythmiques, motif « pulsation de la pluie » dans L'Été, trilles imitant le chant des oiseaux, dissonances pour évoquer le tonnerre) offrent une expérience immersive, L'interprétation demande

une technique instrumentale virtuose : passages rapides, doubles cordes, trilles, sauts d'octave, qui exigent une grande maîtrise du violon solo.

Sinfonia RV 156

-Allegro -Adagio -Allegro

Concerto Le Printemps RV 269

-Allegro -Largo -Allegro

(Chant des oiseaux, ruisseau qui murmure, danse pastorale) (Réveil d'une brebis, sommeil paisible)

(Festin campagnard, cloches de village)

Concerto L'Eté RV 315
-Allegro non molto (Orage qui approche, chaleur accablante) -Adagio (Sieste chaleur torride)
-Presto (Orage violent, tonnerre et éclairs)

Concerto L'Automne RV 293
-Allegro (Récolte, fête du vin, joie collective)
-Adagio molto (Sommeil après la fête, calme champêtre) -Allegro (Chasse à courre, cor)
-Allegro non molto (Marche sur la neige, vent mordant) -Largo (Feu de cheminée, intimité)
-Allegro (Patinage sur glace, neige)

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi est né à Venise le 4 mars 1678, dans une famille nombreuse comprenant quatre frères et quatre sœurs. Malgré une santé fragile, Vivaldi manifeste très tôt des dispositions exceptionnelles pour la musique. Son père, musicien, lui enseigne le violon et la lecture musicale, des compétences qui le mèneront à devenir l'un des plus grands maîtres du violon.

Il est ordonné prêtre en 1703. Cependant, sa vocation religieuse cède rapidement le pas à sa passion pour la musique et le pousse à démissionner. Après avoir quitté le clergé, Vivaldi enseigne le violon à l'Ospedale della Pietà, un internat pour orphelines à Venise. C'est là qu'il se fait connaître grâce aux orchestres composés des jeunes filles qu'il forme. Sa réputation grandit rapidement, et il se produit devant des cours royales et même devant le pape.

Avec plus de 1000 œuvres à son actif, Vivaldi se distingue comme un compositeur prolifique et innovant. Vivaldi laisse derrière lui un corpus impressionnant de plus de 1000 œuvres, dont environ 500 concertos. Sa production couvre tous les genres en vogue à l'époque : opéras, musique sacrée, musique de chambre, et bien sûr, concertos.

Vivaldi meurt le 28 juillet 1741 à Vienne, dans l'anonymat le plus total. Peu de gens assistent à son enterrement et sa musique tombe dans l'oubli pendant près de 200 ans. Ce n'est qu'au XIXe siècle que son œuvre commence à être redécouverte, suscitant un regain d'intérêt pour ses compositions.

https://vivetlamusique.com/antonio-vivaldi/

Franck-Emmanuel Comte

Chef d'orchestre et claveciniste, Franck-Emmanuel Comte occupe une place tout à fait singulière au sein de la scène baroque européenne. Artiste créatif et polyvalent, il vit sa passion pour le répertoire baroque principalement à travers des projets transversaux, inédits ou interdisciplinaires dont il est l'initiateur.

Dès la fin de ses études au CNSMD de Lyon où il étudie la composition et la direction d'orchestre et de chœur, il commence sa carrière au sein de maisons d'opéra (Nantes, Lyon, Studio Opéra de Paris...) et répond à l'invitation d'orchestres classiques ou baroques (Orchestre des Pays de Savoie, Ensemble Orchestral Contemporain, Orchestre de l'Université d'Auckland, Collegium Musicum Riga, Ensemble Arion de Montréal...).

Parallèlement, il crée Le Concert de l'Hostel Dieu, ensemble lyonnais de renommée internationale dont il est toujours le directeur artistique. Il dirige l'ensemble lors de plus de 1700 concerts et enregistre une vingtaine de disques. The Ghost of Hamlet, son dernier enregistrement paru chez Arcana/Outhere, a reçu de très nombreuses récompenses de la presse internationale.

Régulièrement invité à diriger dans les capitales européennes ou mondiales (Barcelone, Londres, Moscou, Montréal, New York, Washington, Helsinki, Cracovie, Rome, Bruxelles, Madrid, Tel-Aviv, Pékin...) et lors de nombreux festivals internationaux (Ambronay, La Chaise-Dieu, Händel- Festspiel de Halle, Bayreuth Baroque Festival, Festival de Musique Ancienne de Bruges, London Baroque Festival, Festival de musique sacrée de Grenade...), Franck-Emmanuel Comte se passionne pour le répertoire baroque mais aussi pour les projets transversaux ou atypiques, tel le ballet Folia co-créé avec le chorégraphe Mourad Merzouki et présenté déjà devant plus de 150 000 spectateurs lors de 160 représentations.

Récemment, Franck-Emmanuel Comte a conduit plusieurs projets originaux tels que la création en première mondiale d'Il Paradiso perduto à l'Auditorium de Lyon, 50/50, divers concerts et opéras consacrés aux compositrices baroques dont l'opéra Talestri de Maria-Antonia de Walpurgis. Il a également été en charge des musiques patrimoniales et d'une partie des musiques originales de la série télévisée Marie-Antoinette, coproduite par Canal+ et la BBC.

En 2025, il devient directeur artistique de La Trinité, saison de concerts dédiés aux musiques anciennes et irrégulières, coorganisés par Le Concert de l'Hostel Dieu et Superspectives. Franck- Emmanuel Comte est par ailleurs directeur artistique du Centre Musical International J.-S. Bach de Saint-Donat et du Festival baroque du Pays du Mont-Blanc. 

La sieste musicale

Samedi 18 juillet 2026, 16h, Cloître du Prieuré Saint Pierre

Camille Taos ARBOUZ DE MORGON mezzo-soprano 

Céline GOUDOUR harpe

Itsumo Nando Demo Kimura Yumi
Cette chanson a été composée et interprétée en 2001 par Kimura Yumi pour la fin du dessin animé Le Voyage de Chihiro de Miyazaki Hayao. Cette expression signifie "toujours et encore" et exprime l'idée de répéter sans cesse ses rêves ou ses actions, comme un mantra de persévérance.

Hallelujah, Jeff Buckley
Hallelujah est une reprise de la chanson écrite par Leonard Cohen en 1983. Jeff Buckley a transformé le morceau de Leonard Cohen en une méditation poignante sur la foi et l'amour, grâce à une interprétation vocale unique et à une production soignée. Sa version reste l'une des plus reconnues et a contribué à faire de Hallelujah un hymne intemporel 

Et bam, Mentissa
Et Bam a contribué à faire connaître Mentissa en France après sa participation à l'émission The Voice. Le morceau est une déclaration de détermination et de gratitude, mêlant des images de scène, de famille et de rêves d'avenir.

S'il suffisait d'aimer, Céline Dion
S'il suffisait d'aimer est une chanson de Céline Dion écrite, composée et produite par Jean-Jacques Goldman dans les années1970. Le texte inspiré est d'une phrase d'Albert Camus « S'il suffisait d'aimer, les choses seraient trop simples».

Ballade irlandaise, Bourvil
Paroles et musique Eddy Marnay et Emil Stern- Enregistrement le 9 avril 1958.

Mon amant de Saint-Jean, Lucienne DELYLE
Lucienne Delyle a rendu célèbre la chanson Mon amant de Saint-Jean, une valse musette de 1942 composée par Émile Carrara sur des paroles de Léon Agel. Son interprétation fut un immense succès pendant l'occupation allemande de la seconde guerre mondiale.

J'ai perdu mon Eurydice de Christoph Willibald GLÜCK
Christoph Willibald Gluck 1(714 -1787) a ajouté cet air à la version française de son opéra Orphée et Eurydice (1774). Il apparaît dans le troisième acte comme l'expression de la douleur d'Orphée après la perte de son épouse Eurydice. Inséré dans la scène 3 de l'acte II, il sert à intensifier la

scène dramatique où Orphée, après avoir obtenu l'autorisation de Hadès, doit traverser les enfers sans se retourner. L'air exprime son désespoir et son amour perdu, avant que Amour ne le réconforte à la fin de l'opéra.

Ombra mai fu Georg Friedrich HAENDEL
C'est l'aria qui ouvre l'opéra Serse (1738) de Georg Friedrich Haendel.(1685-1759 ). Elle est chantée par le personnage de Xerxès (empereur perse) qui loue la douceur d'un platane qu'il considère comme un trésor vivant. Écrite à l'origine pour castrat soprano, c'est un exemple emblématique de la musique baroque italienne.

Pena tiranna de Georg Friedrich HAENDEL
A l'acte II, scène 5 de l'opéra,Amadigi di Gaula (1715), Dardano exprime sa tristesse et son désespoir face à l'amour qu'il ne peut obtenir. L'aria est caractérisée par un rythme de sarabande rappelant d'autres œuvres de Haendel, comme Lascia ch'io pianga dans Rinaldo . 

Si mes vers avaient des ailes deynaldo HAHN
Reynaldo Hahn (1874-1947) a composé cette mélodie pour voix et piano, en 1888 alors qu'il n'avait que quatorze ans sur un extrait du poème « Contemplations » de Victor Hugo. La pièce a été dédiée à Maria Hahn, sœur de l'auteur. Elle a été publiée en 1895 chez Heugel et interprétée depuis par de nombreux chanteurs et pianistes. Les paroles évoquent la liberté et la légèreté des mots, comparés à un oiseau qui s'envole vers un jardin ou un foyer.

Après un rêve Gabriel FAURÉ
Après un rêve est la première mélodie du cycle Trois Mélodies, Op. 7 de Gabriel Fauré, écrite entre 1870 et 1877. C'est l'une des mélodies les plus célèbres de Gabriel Fauré. Devenue un incontournable du répertoire pour voix et piano, elle séduit par son élégance, sa tendresse et son mystère.

Fantaisie sur la Norma de Bellini (solo harpe) Elias PARISH-ALVARS
Elias Parish-Alvars (1808-1849) était un harpiste et compositeur anglais, souvent surnommé le « Liszt de la harpe » par Berlioz. Son œuvre la plus célèbre pour harpe est la Fantaisie sur la Norma de Vincenzo Bellini, publiée sous le titre « Introduction et variations sur des airs de la Norma » (Op. 36) . Elle reste un standard du répertoire de la harpe, apprécié pour son virtuosité et son expressivité.

Nuit d'Espagne Jules MASSENET
Jules Massenet, (1842-1912) est un compositeur français dont la musique est surtout reconnue pour ses opéras (Manon, Werther, Thaïs). Parmi ses œuvres lyriques, il a écrit plusieurs mélodies, dont Nuit d'Espagne . C'est une mélodie composée en 1872 sur des paroles de Louis Gallet, inspirée de sa suite orchestrale Scènes pittoresques (1871). L'œuvre évoque des thèmes d'amour et de sérénité nocturne, invitant à profiter de la beauté de la nuit.

Camille Taos ARBOUZ DE MORGON mezzo-soprano

Mezzo franco-algérienne, titulaire du Diplôme d'État de professeur de chant et d'une licence en musicologie spécialisée en dramaturgie lyrique, Camille-Taos Arbouz s'est aussi formée à la Maîtrise Notre-Dame de Paris avant d'intégrer le Pôle Supérieur de Paris Boulogne-Billancourt où elle obtient le DNSPM dans la classe d'Elsa Maurus, après un DEM mention Très Bien au conservatoire de Montreuil. Elle se perfectionne auprès de Sophie Fournier, Catherine Hunold et Carola Guber et lors d'académies et masterclasses, de Thomas Hampson, Chris Merritt, Jennifer Larmore, Vesselina Kasarova, Patricia Petibon, Anne Le Bozec...

Lauréate en 2025 du Premier Prix du concours des Grandes Voix lyriques d'Afrique, elle devient artiste émergente d'Opéra For Peace et rejoint l'Académie soliste de l'Opéra Royal de Versailles pour les saisons 2025–2027.
Très investie dans la redécouverte des compositrices, elle collabore avec Présence Compositrices et se produit au Musée Carnavalet, au Musée de la Vie Romantique, au Festival Compositrices de Toulon en ouverture du concert d'Anne Le Bozec et conçoit un spectacle autour de Pauline Viardot. En concert, elle interprète la partie de Mezzo solo du Requiem de Mozart, du Messe en ré de Dvořák, et la Petite messe solennelle de Rossini.

Parmi ses projets, les rôles de Bertha (La vie parisienne) et la Seconde Sorcière (Didon et Enée) à l'Opéra Royal de Versailles (2026).

Céline GOUDOUR harpe
Après des études au Conservatoire à Rayonnement Régional de Cergy-Pontoise auprès d'Isabelle Lagors, la harpiste Céline Goudour poursuit ses études à la Haute Ecole de Musique de Genève où elle obtient en 2017 un Bachelor of Arts in Music, puis en 2019 un Master en Pédagogie dans la classe de Sandrine Chatron. Parallèlement, elle étudie avec Anne Ricquebourg au Pôle Supérieur de Paris Boulogne-Billancourt et obtient en 2020 un DNSPM. Elle est également titulaire du DE de Formation Musicale.
Passionnée par la pédagogie et le partage, elle enseigne la Formation Musicale au CRR de Cergy- Pontoise. Elle aime également jouer en orchestre, comme avec l'Orchestre de l'Opéra Royal de Versailles, l'Ensemble Matheus, l'Orchestre de la Suisse Romande (OSR) à Genève ainsi que l'Orchestre de Chambre de Genève (OCG) ou encore l'Orchestre Ostinato. Lauréate de plusieurs concours de musique de chambre, elle est aussi invitée à se produire dans des festivals tels que le festival d'Auvers-sur-Oise, Piano Campus ou encore Classique au port de La Rochelle en soliste et en Musique de Chambre dans des formations variées, notamment au sein du duo Lyria, fondé en 2015 avec la flûtiste Yu Wang. Elle collabore par ailleurs avec le Professeur Weiliang Zhang en France et à l'étranger pour promouvoir le répertoire traditionnel chinois et la création contemporaine. 

Les concerts du prieuré

 Samedi 18 juillet 2026 à 19 h

TRIO ANTARA

Emmanuelle OPHÈLE flûte 

Odile AUBOIN alto

Ghislaine PETIT-VOLTA harpe

Théodore DUBOIS Terzettino

Théodore Dubois (24 août 1837 – 11 juin 1924) est un organiste, compositeur et pédagogue français. Il a joué un rôle majeur dans la vie musicale de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, notamment en tant que directeur du Conservatoire de Paris. Il a produit une œuvre abondante, musicale (oratorios, opéras et opéras-comiques, musique de chambre) et également pédagogique (traités d'harmonie, de contrepoint et de fugue, encore utilisés aujourd'hui).

Le Terzettino (mi-bémol majeur) est un morceau de chambre de style romantique, composé en 1904 et destiné à la flûte, l'alto (viola) et la harpe.

Mel BONIS Invocation

Mel Bonis (1858 -1937), ou parfois Mélanie Bonis), est une compositrice post-romantique française. Élève notamment de César Franck, elle fait partie, à partir du début du XXe siècle, des artistes les plus avant-gardistes en France. Son style s'apparente à celui de l'un de ses maîtres, Gabriel Fauré, ainsi qu'à d'autres compositeurs comme César Franck et Claude Debussy.

Elle a aussi un rôle de pédagogue, notamment auprès d'enfants.
Compositrice prolifique, elle compose environ deux cents œuvres tout au long de sa vie, favorisant le piano mais composant aussi pour des ensembles instrumentaux. Faisant partie de la vie mondaine parisienne, elle est coutumière des salons et pioche dans les œuvres littéraires de ses proches la matière de ses mélodies. Sa musique de style postromantique est inscrite dans son époque. Elle est très variée, allant du drame à l'humour, souvent vigoureuse et sensuelle, avec des dépaysements impressionnistes ou orientalistes, toujours très bien écrite et d'une grande sensibilité.
Dans les années 1990, elle est redécouverte par les musicologues allemands Eberhard et Ingrid Mayer. Son arrière-petite-fille, Christine Géliot, tâche de faire revivre l'œuvre de son aïeule avec l'aide de l'Ensemble Mel Bonis.

Invocation désigne à la fois une mélodie vocale (Op. posth. 5, 1887) et une pièce pour orgue (Op. 151, 1935). La version vocale est un chant à voix et piano, tandis que la version pour orgue est une transcription d'un prélude pianistique.

Claude DEBUSSY Pour invoquer Pan, dieu du vent d'été

Claude Debussy (1862-1918), compositeur, pianiste et chef d'orchestre français, est une figure

majeure de l'impressionnisme musical : utilisation novatrice des gammes pentatoniques, accent sur la couleur sonore, les textures, refus des formes traditionnelles rigides au profit d'une structure fluide et suggestive.
Il a profondément influencé la musique du XXe siècle, ouvrant la voie à l'expressionnisme, au modernisme et à la musique atonale. Ses œuvres marquantes sont : le Prélude à l'après-midi d'un faune (1894) , La Mer (1905), la Suite bergamasque et l'opéra Pelléas et Mélisande (1902) .

Pour invoquer Pan, dieu du vent d'été (1914) fait partie de son cycle Six Épigraphes Antiques. Chant pastoral destiné à la flûte et au piano, cette pièce évoquant la légende de Pan et le vent d'été s'inscrit dans le style impressionniste de Debussy.

Jean-Philippe RAMEAU Vème concert

Le Cinquième concert fait partie du recueil Pièces de clavecin en concerts publié en 1741. Il se compose de trois pièces, chacune portant un nom évocateur , la Forqueray, la Cupis et la Marais.
Le recueil est le seul exemple de musique de chambre de Rameau, où le clavecin joue un rôle central, accompagné par un violon ou une flûte et une viole ou un deuxième violon .

Jean-Philippe Rameau (1683–1764) est considéré comme l'un des plus grands musiciens français et comme le premier théoricien de l'harmonie classique.
Son œuvre lyrique est restée oubliée pendant près de deux siècles, mais est aujourd'hui largement redécouverte. En revanche, ses nombreuses œuvres pour clavecin ont toujours été présentes au répertoire.

Après un court séjour en Italie, il tient l'orgue dans plusieurs cathédrales jusqu'en 1722. Il fait alors la connaissance du fermier général Le Riche de La Pouplinière, qui devient son mécène pour un quart de siècle, le loge et lui confie l'orchestre qu'il a créé et qu'il entretient. Rameau devient le musicien officiel de la Cour : en 1745, il est nommé « Compositeur du Cabinet du Roi ». À partir de ce moment et jusqu'en 1757, tragédies lyriques, opéras-ballets et pastorales se succèdent, parfois au rythme de deux ou trois par an. Il compose une trentaine d'ouvrages pour la scène. Outre Platée (1745), les plus célèbres sont Hippolyte et Aricie (1733, qui installe d'emblée le compositeur au firmament de la scène lyrique en France), Les Indes galantes (1735), jusqu'aux Boréades (1764), tragédie lyrique inachevée considérée comme son ultime chef-d'œuvre.

Rameau est aussi l'auteur d'une importante œuvre théorique (dont le fameux Traité d'Harmonie), qui le verra s'engager à la fin de sa vie, dans une âpre polémique avec Rousseau et d'Alembert, connue sous le nom de « Querelle des bouffons », opposant le « Coin du Roi » (les tenants de la tradition française) et le « Coin de la Reine » (ceux de la musique italienne).

Maurice RAVEL Sonatine

Maurice Ravel (1875-1937), est un compositeur, pianiste et chef d'orchestre français souvent associé à l'impressionnisme musical (bien qu'il s'en démarque). Son style mêle harmonie impressionniste, clarté formelle et innovation rythmique, usage fréquent de la modalité. Il a inspiré de nombreux compositeurs du XXe siècle, notamment en matière d'orchestration et de traitement du timbre.

Parmi ses œuvres citons le Boléro (1928), mondialement célèbre pour son crescendo continu, Daphnis et Chloé (ballet, 1912), Gaspard de la nuit (piano, 1908), Miroirs (piano, 1905) et Le Tombeau de Couperin (piano, 1917), hommage aux victimes de la Première Guerre mondiale
Il a souvent été comparé à Claude Debussy. S'il est vrai que leurs sources d'inspiration sont proches

(la nature, la musique française, l'Espagne, l'Orient, le jazz...), leurs langages sont fondamentalement différents:l'orchestre et le piano de Ravel sont plus éblouissants, mais formellement il est moins audacieux que Debussy. Ces rapprochements les agacent l'un comme l'autre et, sans être rivaux, ils ne se lieront jamais d'amitié, leurs relations restant strictement professionnelles.

La Sonatine (1903) est une pièce composée à l'origine pour piano solo, dans un souci d'unité d'effet et d'économie de moyens. Elle est en trois mouvements :

Modéré,
Mouvement de menuet, Animé.

Elle a reçu son titre Sonatine en raison de son humeur parfois légère et de sa plus petite échelle par rapport aux sonates plus traditionnelles. Elle se caractérise par une qualité néoclassique, avec des éléments empruntés aux périodes baroque et classique.
C'est une pièce populaire en raison de son accessibilité et sa simplicité . Elle affiche cependant une grande partie de l'art et de la sophistication caractéristiques de Ravel, qui continuent d'enchanter le public du monde entier

György KURTÁG Signs, games and messages

Né en 1926 à Lugoj, alors en Roumanie, György Kurtág grandit dans un espace culturel traversé par les secousses de l'histoire européenne. Il se forme à l'Académie Franz-Liszt de Budapest, où il rencontre notamment György Ligeti. Comme beaucoup de créateurs de sa génération, il est confronté très tôt aux fractures politiques, esthétiques et humaines du XXe siècle.

C'est l'un des compositeurs majeurs — et paradoxalement des plus discrets — de la musique contemporaine européenne. À rebours des grands systèmes et des manifestes tonitruants du XXe siècle, Kurtág a bâti une œuvre de la concentration extrême, du fragment essentiel, où chaque son semble pesé, éprouvé, presque murmuré. À cent ans de distance, son catalogue restreint continue pourtant de résonner avec une intensité rare.

Longtemps considéré comme un compositeur « pour initiés », Kurtág a néanmoins vu sa musique défendue par les plus grands interprètes et institutions européennes. Des figures majeures comme Pierre Boulez ont contribué à faire connaître son travail, tout en respectant sa singularité irréductible. Cette reconnaissance, souvent tardive, n'a jamais modifié son rapport humble et exigeant à la composition.

Signs, Games and Messages est une collection de miniatures musicales (aphorismes) écrites pour divers instruments solistes et petits ensembles à cordes. Le titre renvoie à trois notions : signes (communication), jeux (manipulation de ces signes) et messages (contenu).
Les pièces varient de quelques secondes à plusieurs minutes, la plupart ne dépassant pas trois minutes .Malgré leur brièveté, les pièces forment un réseau interconnecté, offrant une expérience à la fois ludique et profonde.Le recueil mêle des références littéraires (Hölderlin, Beckett) et des hommages (John Cage, J.S. Bach).

Benoit SITZIA Comme une anecdote

Benoît Sitzia est un compositeur et entrepreneur français né en 1990. Après des études de guitare, d'orgue et de composition (dont deux années au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris), il a reçu plusieurs distinctions en analyse, histoire de la musique et esthétique. Depuis 2019, il dirige l'ensemble Ars Nova en tant que directeur général et artistique, où il pilote à la fois la programmation artistique et le développement institutionnel de l'ensemble. Il supervise également la création de l'European Creative Academy for Music & Musicians (Annecy) et participe aux activités de mentoring de la Fondation Peter Eötvös à Budapest. En plus de son rôle de directeur, il est président et co-fondateur du Collège contemporain, un regroupement de compositeurs, interprètes, ensembles et musicologues, et intervient régulièrement comme conférencier et médiateur pour la transmission des pratiques musicales créatives .

Six anecdotes est un cycle de pièces très courtes pour harpe, conçues comme une suite d'aphorismes musicaux. Commandées par les Éditions L'Usage dans le cadre d'une résidence au Arvo Pärt Centre, ces pièces ont été présentées lors de la soirée « Harposphère » à Paris, où elles ont été jouées par la harpiste Ghislaine Petit-Volta.

Six anecdotes illustre l'intérêt de Benoît Sitzia pour les formats courts, ludiques et poétiques, où chaque fragment musical se veut une petite histoire sonore à la fois autonome et liée aux autres. 

Félix MENDELSOHN et LACHNER Trois Lieder

Abschied der Zugvögel

Auf dem Wasser

Ich liebe dich, weil ich dich lieben muß

Ces trois lieder proviennent de duos vocaux composés par Mendelssohn (deux pièces de son recueil Op. 63) et par Lachner (une pièce de son Op. 86). Ils ont été transcrits pour deux flûtes traversières et piano par le flûtiste et éditeur Theobald Böhm. Ces œuvres illustrent le répertoire allemand de la période entre la mort de Schubert et l'émergence de Schumann, offrant des mélodies lyriques et des accompagnements pianistiques typiques du Lied romantique.

Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847) est un compositeur, pianiste et chef d'orchestre allemand. Fils d'un riche banquier juif converti au christianisme, il grandit dans un environnement culturel très stimulant et montre très tôt des talents exceptionnels pour la musique. A l'âge de 12 ans, il compose la célèbre Overture de A Midsummer Night's Dream, qui lui vaut une reconnaissance internationale.

Felix Mendelssohn meurt subitement le 4 novembre 1847 à Leipzig, à l'âge de 38 ans, d'une maladie pulmonaire. Sa musique, à la fois classique et romantique, continue d'être largement programmée dans les concerts du monde entier. Il a également joué un rôle clé dans la redécouverte de la musique de Bach, organisant la célèbre performance de la Messe en si mineur en 1829, qui relança l'intérêt pour le compositeur baroque.

Parmi ses oeuvres majeures citons la Symphonie n° 3 « Écossaise », la Symphonie n° 4 « Italienne », le Concerto pour violon en mi mineur, Op. 64 (l'un des plus joués), des musiques de scène (la Marche nuptiale de A Midsummer Night's Dream, très populaire lors des mariages !), ainsi que de la Musique de chambre (quatuors à cordes, sonates) et des Oratorios (notamment Élie, Op. 70) .

FranzLachner (1803-1890) est un compositeur et chef d'orchestre bavarois très actif au XIXe siècle, dont la carrière s'étend des théâtres viennois aux institutions musicales de Munich, et dont l'héritage se conserve surtout dans le répertoire de musique d'ensemble et d'orgue.

Son style se situe entre l'héritage de Beethoven et la sensibilité de son ami Franz Schubert. Il était considéré de son vivant comme un compositeur prolifique et compétent, mais aujourd'hui il reste surtout connu pour quelques pièces de musique de chambre et d'orgue, tandis que la plupart de ses symphonies restent peu jouées.

Trio Antara

Le trio Antara est une formation musicale féminine rare composée de flûte, alto et harpe. Elle apparaît pour la première fois en 1915 sous la plume de Claude Debussy. Emmanuelle Ophèle, Odile Auboin et Ghislaine Petit-Volta prolongent aujourd'hui l'aventure ouverte par la Deuxième Sonate, avec le Trio Antara créé en 2005.

Si ces trois musiciennes accomplies nourrissent des liens privilégiés avec les compositeurs d'aujourd'hui, Antara – dans sa volonté de faire voyager le public à travers toutes les époques musicales – propose, de Jean-Philippe Rameau à Peter Eötvös, avec parfois le recours aux transcriptions, un répertoire varié et passionnant. Conçus pour susciter la curiosité et favoriser le dialogue entre public et interprètes, ces programmes permettent aux chefs-d'œuvre de l'histoire de la musique de cohabiter harmonieusement.

Ces enchaînements inédits ne sont pas seulement des paris musicaux ambitieux : c'est une autre façon de vivre la musique que nous propose Antara. Chaque concert du Trio est ainsi une invitation à suspendre le temps, écouter, ressentir, partager, redonner sa place au plaisir et à la poésie.

https://collegecontemporain.org/trio-antara

Nocturnes du château

Samedi 18 juillet 2026, 21h 30, cour du château

Camille Taos ARBOUZ DE MORGON mezzo-soprano

 Vanel DJOKO ténor

Mehdi LOUGRAÏDA direction
sÔlis orchestra

Richard WAGNER Ouverture Tannhäuser

Tannhäuser (1845) est l'un des premiers grands chefs-d'œuvre de Richard Wagner. Cet opéra conte l'histoire de Tannhäuser, un homme en quête d'identité partagé entre le sensuel et le spirituel, l'amour profane et l'amour sacré, mais aussi celle d'un artiste cherchant la reconnaissance. L'ouverture de Tannhäuser peut être considérée comme une œuvre symphonique à part entière. En effet, il s'agit d'un résumé de l'opéra plus que d'une ouverture. Deux thèmes principaux s'y opposent, symbolisant la dualité de Tannhäuser. Le premier sera le Chœur des pèlerinsdans la suite de l'opéra. Véritable choral, il est d'abord exposé solennellement par 2 clarinettes, 2 cors et 2 bassons. Le thème dit du Repentir lui succède, plus lyrique mais introspectif. Le thème initial des pèlerins revient ensuite, joué par 2 trombones, un trombone basse et un tuba soutenus par des roulements de timbales, ce qui lui confère puissance et éclat.

Richard Wagner (1813 Allemagne - 1883 Autriche.)
Compositeur, chef d'orchestre et théoricien de la musique, Richard Wagner a révolutionné l'opéra,en développant le concept de « œuvre d'art totale », où musique, texte, mise en scène et arts visuels sont intégrés. Pour réaliser cet idéal, il fera construire le Festspielhaus de Bayreuth, où se déroule chaque année le Festival de Bayreuth,véritable lieu de pèlerinage des amateurs.
Il a profondément marqué la musique du XXe siècle, notamment par son utilisation du « leitmotiv » (motifs musicaux associés à des personnages ou idées). Ses écrits théoriques, notamment Das Kunstwerk der Zukunft, ont inspiré de nombreux compositeurs et metteurs en scène. L'industrie cinématographique a largement utilisé sa musique, telle l'attaque des hélicoptères rythmée par la Chevauchée des Walkyries dans Apocalypse Now de Francis Ford Coppola (1979).

L'antisémitisme de Wagner et l'appropriation de sa musique par le IIIe Reich ont donné lieu à une abondante littérature polémique, alimentée tant par la récupération de sa musique par le régime national-socialisteque que par l'amitié de l'épouse de son fils Siegfried, avec Adolf Hitler.
Les opéras constituent l'essentiel de son œuvre :

Der fliegende Holländer 1843 Tannhäuser 1845
Lohengrin 1850
Tristan und Isolde 1865

Der Ring des Nibelungen (cycle de 4 opéras) 1869-1876 Die Meistersinger von Nürnberg 1868
Parsifal 1882

Georges BIZET Séguédille (Carmen)

Avant Carmen, Georges Bizet (1838 – 1875) n'avait eu qu'un succès modéré avec Les Pêcheurs de perles et plusieurs pièces de musique de chambre et de piano. Carmen est un opéra-comique en quatre actes, créé en 1875. Il s'inspire d'une nouvelle de Prosper Mérimée écrite en 1847 et raconte l'histoire tragique d'une bohémienne à Séville dans les années 1820. L'intrigue tourne autour de la passion dévorante entre Carmen, une femme libre et provocante, et Don José, un brigadier épris d'elle et rendu fou de jalousie.

Dans le contexte de rigueur morale en France de l'époque, Carmen a été mal reçue, choquant le public par ses thèmes audacieux et la représentation du personnage de Carmen, symbole de liberté et de sensualité, Bizet, très affecté par ces critiques, est décédé peu après la première représentation en juin 1875, à l'âge de 36 ans. L'opéra a cependant connu un succès croissant et est aujourd'hui l'un des opéras les plus joués dans le monde, tout en étant encore sujet à des scandales et controverses modernes, comme en Chine en 1982 ou en Australie en 2014.

La seguidilla danse espagnole est caractérisée par un rythme vif et syncopé, qui sert à montrer le caractère séducteur et indépendant de Carmen. Dans cette scène, elle invite le public à la suivre à la taverne de Lillas Pastia, où elle prévoit de danser et de boire, tout en exprimant son mépris pour les hommes qui l'ennuient.

Jacques OFFENBACH Au mont Ida (La Belle Hélene)

La Belle Hélène (1865) est un opéra-bouffe (opérette) en trois actes de Jacques Offenbach, livret d'Henri Meilhac et Ludovic Halévy. parodie de la légende de l'enlèvement d'Hélène par le prince troyen Pâris.
Dans l'acte 1, le jeune Pâris se trouve au Mont Ida, où trois déesses – Minerve, Junon et Vénus – se querellent pour savoir qui est la plus belle. Pâris doit alors attribuer la pomme d'or à la déesse qu'il juge la plus belle, déclenchant le célèbre jugement de Pâris qui mènera à la guerre de Troie. L'œuvre se moque des mœurs de la Cour du Second Empire tout en détournant la mythologie grecque. Elle a établi les codes de l'opérette française (mélodies légères, dialogues satiriques, chorégraphies) et a inspiré de nombreux compositeurs.

Jacques Offenbach (né à Cologne en 1819, mort à Paris 1880) est un compositeur et violoncelliste franco-allemand considéré comme le maître de l'opéra-bouffe français.Il est connu pour ses mélodies courtes, ses parodies, ses chansons humoristiques et ses œuvres satiriques qui critiquent la société de son époque, notamment le Second Empire. Son œuvre se distingue par une grande maîtrise des effets dramatiques et musicaux, avec une capacité à faire rire tout en restant musicalement sophistiquée. Elle a été longtemps sous-estimée en France à cause de son association avec l'ancien régime, mais elle est aujourd'hui reconnue comme un pilier de la musique légère et du théâtre musical. Plusieurs de ses opéras, notamment Les Contes d'Hoffmann, restent parmi les œuvres françaises les plus jouées dans le monde.

Parmi ses oeuvres majeures citons : Orphée aux Enfers, La Belle Hélène, La Vie parisienne, La Grande-duchesse de Gérolstein , La Périchole et Les Contes d'Hoffmann.

Gaetano DONIZETTI Ah! mes amis (La fille du régiment)

La fille du régiment (1840) est un opéra-comique en deux actes (Livret : Jules-Henri Vernoy

de Saint-Georges et Jean-François Bayard.), première œuvre de Donizetti écrite directement en français.
La vivandière Marie, adoptée à la naissance par un régiment français, tombe amoureuse du soldat Tonio. L'intrigue mêle quiproquos militaires, romance et patriotisme, avec le célèbre duo « Ah ! mes amis » où le ténor, Tonio, doit chanter neuf contre-ut consécutifs !

Gaetano Donizetti (1797-1848)

Directeur musical des théâtres royaux de Naples (1828-1838), il s'installe à Paris en 1838, où il compose plusieurs opéras français.
Avec Rossini et Bellini, il est l'un des trois grands compositeurs d'opéra du bel canto italien. Sa production prolifique (environ 70 opéras, plus de 100 œuvres religieuses, symphonies, quatuors...) a marqué la transition vers le romantisme musical italien.Gaetano Donizetti reste aujourd'hui une figure centrale du répertoire lyrique, ses œuvres étant régulièrement jouées dans les salles d'opéra du monde entier.

Oeuvres majeures :Anna Bolena (1830), L'elisir d'amore (1832), Lucia di Lammermoor (1835), La Fille du régiment (1840), La Favorite (1840), Don Pasquale (1843)

Manuel DE FALLA La vida breve : danse espagnole
La Vida breve (1913) est un drame lyrique en deux actes, créé le 1 avril 1913 au Casino de Nice

(version française).

La « Danse espagnole n° 1 » apparaît dans le deuxième acte. Elle constitue une véritable célébration des rythmes et des couleurs de la musique traditionnelle espagnole, intégrée à l'intrigue pour souligner l'atmosphère andalouse de l'opéra. Fusion de danse folklorique (flamenco, rythmes andalous) et de langage orchestral classique, elle est souvent jouée comme pièce autonome en concert, notamment par des orchestres symphoniques et des ensembles de musique de chambre. premiereloge-opera.com

Manuel de Falla (1876 Cadix - 1946 Buenos Aires)

Après ses études au Conservatoire de Madrid, Manuel de Falla fait un séjour à Paris (1905-1910) où il travaille avec Maurice Ravel et rencontre d'autres compositeurs avant-gardiste, Claude Debussy, Erik Satie. Durant cette période il compose La vida breve et la Suite populaire espagnole pour piano, qui témoignent déjà de son désir d'allier la tradition espagnole à la modernité française. De retour à Madrid, il écrit El amor brujo, Noches en los jardines de España, une série de pièces pour piano, guitare et orchestre, dont Fantasía bética et Homenaje a la guitarra.

En 1936, face à la montée du conflit, il quitte l'Espagne pour se réfugier en Argentine. Il rejoint la communauté d'exilés espagnols et continue à enseigner et composer.
De Falla développe une langue musicale où les rythmes et les modes andalous (phrygien, flamenco) se mêlent à une orchestration raffinée, influencée par Ravel. Il privilégie la clarté formelle, la couleur des timbres et l'expression dramatique.

De Falla est considéré comme l'un des principaux architectes de la « musique nationale espagnole », aux côtés d'Isaac Albéniz et Enrique Granados. Ses cours au Conservatoire de Madrid et ses écrits sur l'orchestration ont formé plusieurs générations de compositeurs espagnols.

Camille SAINT-SAËNS Mon cœur s'ouvre à ta voix (Samson et Dalila)

Samson et Dalila (1877) est le grand opéra en trois actes de Camille Saint-Saëns (livret de Ferdinand Lemaire). Il s'inspire du récit biblique du Livre des Juges. Samson, consacré à Dieu , possède une force prodigieuse tant que ses cheveux ne sont pas coupés. Samson tombe amoureux de Dalila, une femme philistine payée pour découvrir le secret de sa force, qu'il finit par lui avouer. Dalila lui coupe les cheveux pendant son sommeil, le livrant aux Philistins. Il est capturé, aveuglé et emprisonné. Alors que ses cheveux repoussent, Samson retrouve un peu de sa force. Lors d'un sacrifice au temple de Dagon, il s'appuie sur les deux piliers du sanctuaire, les fait s'effondrer et fait ainsi périr les Philistins ainsi que lui-même.

L'œuvre mêle drame biblique, thèmes de séduction et de trahison, et culmine dans le sacrifice héroïque de Samson.

Mon cœur s'ouvre à ta voix est chanté par Dalila dans l'acte II, lorsqu'elle tente de séduire Samson pour qu'il lui révèle le secret de sa puissance. C'est à la fois une poésie d'amour et un outil de manipulation. Dalila utilise des images naturelles (fleurs, aurore) pour associer la voix de Samson à la vie qui s'éveille, tout en exprimant son désir de réconfort et de fidélité.

La structure régulière et les répétitions renforcent le caractère lyrique du moment, tandis que l'intervention de Samson introduit la tension dramatique qui mènera à la révélation du secret de sa force. L'ensemble montre comment Saint-Saëns, à travers le texte de Ferdinand Lemaire, mêle musique et poésie pour créer un moment clé de séduction et de suspense dans l'opéra.

Jacques OFFENBACH Ce n'est qu'un rêve (La Belle Hélene)

Ce n'est qu'un rêve est le duo de l'acte II, chanté par les personnages Paris et Hélène de La Belle Hélène. Après que Vénus a promis à Paris la plus belle femme du monde, Hélène, celui-ci la rencontre dans un rêve qui se transforme rapidement en réalité amoureuse. Le duo exprime à la fois la légèreté de la situation et la tension entre le désir et la conscience que tout cela pourrait n'être qu'une rêverie. Il illustre le style satirique et léger d'Offenbach, mêlant mélodie entraînante et texte humoristique pour critiquer les mœurs de l'époque tout en célébrant le charme de la mythologie grecque.

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