PROGRAMME DE SALLE

Les concerts du prieuré 

Quatuor Debussy

Vendredi 18 juillet 2025, 19h, Jardin des moines

Divertimento en fa majeur K 138 W.A.Mozart.

Allegro Andante Presto

Ce Divertimento a été écrit en 1772 à Salzbourg en même temps que les Divertimenti K136 et K137. C'est l'œuvre d'un compositeur de seize ans ! À cette époque, Mozart s'est déjà essayé à tous les genres musicaux, de la musique de chambre à l'opéra (1772 est l'année du Songe de Scipion et de Lucio Silla). Il n'a pas encore rencontré Haydn, mais s'est rendu en Italie où il a pu s'initier aux musiques locales. Les Divertimenti forment une brève trilogie, chacun comportant trois courts mouvements destinés à un orchestre à cordes ou à un quatuor à cordes. Ce sont des pages charmantes et pleines d'invention. D'une musique aussi légère a priori que celle d'un prétendu divertissement, Mozart obtient une élégance hors du commun, comme en témoigne l'allant plein de grâce de l'Allegro initial du Divertimento K 138.

Chant et Fugue, Escualo, Milonga del Ángel et Fuga y Misterio Astor Piazzolla

Chant et Fugue

Il s'agit d'une des compositions de Piazzolla pour le théâtre ou la musique de scène.

Escualo

C'est l'un des mouvements d'une pièce connue sous le nom de "Biyuya", qui fait partie de ses œuvres enregistrées en 1979 et est souvent associée à son style de tango contemporain.

Milonga del Ángel

Créée en 1965, cette composition appartient à la "Suite del Ángel". Elle se distingue par son rythme lent et son caractère sentimental, évoquant la milonga traditionnelle mais avec une sensibilité moderne. Elle possède une structure en deux parties, avec une mélodie douce et mélancolique.

Fuga y Misterio

C'est une œuvre instrumentale composée en 1967 dans le cadre de "María de Buenos Aires", une operita tango, dont elle constitue la scène V. Sa structure est basée sur un contrepoint fugué, avec une utilisation sophistiquée des textures et des couleurs harmoniques mêlant styles savants et populaires.

Astor Piazzolla (1921 -1992)

Astor Piazzolla est un compositeur et bandonéoniste argentin. Passionné de jazz et de musique classique, il a été influencé par Bach, Bartók, Stravinsky et le jazz hard-bop. Il a travaillé avec des grands noms du tango, notamment Aníbal Troilo, tout en développant un style novateur, le tango nuevo, mêlant tango traditionnel, musique néoclassique, jazz et éléments modernes.Cette approche a suscité controverse mais aussi reconnaissance internationale. Considéré comme le précurseur du tango d'avant-garde, Piazzolla a profondément renouvelé la musique argentine. Son style unique, marqué par une personnalité passionnée et irrévérencieuse, a laissé une empreinte durable dans la musique mondiale.

Œuvres emblématiques : Adiós Nonino, Libertango, Maria de Buenos Aires, Histoire du Tango.

Extraits de Luisa Miller Giuseppe Verdi

Luisa Miller est un opéra en trois actes composé par Giuseppe Verdi en 1849. Le livret, écrit par Salvatore Cammarano, s'inspire de la pièce Kabale und Liebe de Friedrich von Schiller. Cet opéra est considéré comme une œuvre de transition dans la carrière du compositeur. Il se distingue par son approche intime et psychologique, avec une mise en valeur des caractères et des passions humaines. Il marque aussi une évolution dans la manière raffinée dont Verdi utilise l'orchestre pour souligner l'état intérieur des personnages.

Résumé de l'intrigue :
Dans un village du Tyrol au XVIIe siècle, Luisa, fille du vieux soldat Miller, et Rodolfo, fils du comte Walter, s'aiment d'un amour impossible. Le comte, qui veut marier son fils à la duchesse Federica, s'oppose à leur union. Walter et Wurm, l'intendant du comte, ourdissent une machination pour séparer les amoureux en manipulant Luisa pour qu'elle avoue une trahison. Rodolfo, désespéré, accepte d'épouser Federica, mais il rejoint Luisa pour lui assurer son amour. La tragédie se conclut par la mort de Luisa et de Rodolfo, qui se suicident pour échapper à un destin cruel.

Extrait de Carmen Georges Bizet

Carmen est un opéra-comique en quatre actes, créé en 1875. Il s'inspire d'une nouvelle de Prosper Mérimée écrite en 1847 et raconte l'histoire tragique d'une bohémienne séductrice à Séville dans les années 1820. L'intrigue tourne autour de la passion dévorante entre Carmen, une femme libre et provocante, et Don José, un brigadier épris d'elle et rendu fou de jalousie. Dans le contexte de rigueur morale en France de l'époque, Carmen a été mal reçue, choquant le public par ses thèmes audacieux et la représentation du personnage de Carmen, symbole de liberté et de sensualité.  Bizet, très affecté par ces critiques, est décédé peu après la première représentation en juin 1875, à l'âge de 36 ans. L'opéra a cependant connu un succès croissant et est aujourd'hui l'un des opéras les plus joués dans le monde, tout en étant encore sujet à des scandales et controverses modernes, comme en Chine en 1982 ou en Australie en 2014.

Quatuor Debussy

Le Quatuor Debussy, fondé en 1990 à Lyon, est une formation renommée de quatuor à cordes qui s'est imposée sur la scène musicale internationale. Composé de Christophe Collette (premier violon et directeur artistique), Emmanuel Bernard (second violon), Vincent Deprecq (alto) et Cédric Conchon (violoncelle), il a été récompensé à plusieurs reprises, notamment par le Premier Grand Prix du concours international de quatuor à cordes d'Évian en 1993 et la Victoire de la musique classique en 1996 pour la meilleure formation de musique de chambre. Le Quatuor Debussy est conventionné par le Ministère de la Culture (DRAC Auvergne-Rhône-Alpes), la Région AuvergneRhône-Alpes et la Ville de Lyon. Il est soutenu par la Métropole de Lyon, la SPEDIDAM et la SG Auvergne Rhône Alpes.

Activités et engagements :

• Tournées mondiales : Japon, Chine, États-Unis, Canada, Australie, Russie, Europe, etc.

• Répertoire : riche et varié, allant du classique français (Fauré, Ravel, Bonnal) à des œuvres contemporaines, en passant par des collaborations avec des artistes de musiques actuelles, jazz, théâtre, danse et arts numériques.
• Actions pédagogiques : ateliers pour enfants, projets pour publics divers, enseignement au conservatoire national supérieur musique et danse de Lyon depuis 2011, stages et académies d'été.
• Enregistrements : notamment l'intégrale des quatuors de Chostakovitch, ainsi que des œuvres françaises et contemporaines, avec une discographie éclectique saluée par la critique. 

Les nocturnes du château 

Vendredi 18 juillet 2025 21h, église de Ternay

Planètes – Concert spatialisé 

ODYSSEE Ensemble et compagnie

Planètes est un voyage musical dans l'Univers, à la recherche de la partition du Big Bang, des éclipses et du principe d'attraction... A travers une écriture tantôt délicate et onirique, tantôt puissante et explosive, Planètes interroge la musique dans l'espace et pour l'espace.

Quand Odyssée Ensemble & Cie questionne la théâtralité de la musique et propose des spectacles pluridisciplinaires, ce quartet s'ouvre aux horizons des musiques d'aujourd'hui, de la découverte et du voyage, à travers le prisme du jazz et de l'improvisation.

22h 30, cour du Château 

De la suite dans les idées

Vincent Courtois et Éric-Maria Couturier, violoncellistes

Jean-Sebastien Bach ? C'est qui ça? Le compositeur des sempiternelles suites ? Encore lui, et bien oui! On ne peut pas s'en passer. Ses préludes deviennent des danses qui courent, qui ralentissent, elles ne s'arrêtent jamais et font mêmes des reprises. C'est un exercice quotidien pour le violoncelliste, quasi religieux tant le Saint Père inspire le respect.

Nous vous proposons une conversion, un échange d'idée autour d'extraits des six suites, nous qui venons du monde classique mais aussi du monde des musiques improvisées et contemporaines, l'occasion d'explorer ensemble comment s'exprime aujourd'hui un langage d'il y a 303 ans. 

Eric-Maria Couturier

Éric-Maria Couturier est professeur aux Conservatoires Nationaux Supérieurs de Musique et de Danse à Paris et à Lyon. Il y transmet notamment les enseignements reçus de Roland Pidoux, Christian Ivaldi, Igor Gavrich, Patrick Moutal, Jorge Chaminé, ainsi que l'inspiration que font naître en lui les interprétations de Mstislav Rostropovich et Yoyo Ma.

Polymorphe et virtuose, il se produit régulièrement sur les grandes scènes internationales, en solo, en musique de chambre au sein du trio Talweg, avec d'autres artistes comme Mauricio Pollini, Martha Argerich, Juliana Steinbach, ou avec l'Ensemble intercontemporain qu'il a rejoint en 2002. Avec le compositeur Olivier Derivière, ils créent les musiques du jeu-vidéo Plague innocent tale / Requiem, ainsi d'autres jeux comme Dying Light ou Vampyre.

Il partage la scène des musiques improvisée avec David Linx, Laika and the Unit, Sébastien Lanson, et l'électronique du trio Plug avec Michele Rabbia et Nicolas Crosse.

Il s'associe avec Bertrand Chavarria pour créer une pièce illustrant l'énergie du karaté.

Au Japon et en Europe il joue avec la chanteuse de Noh Ryoko Aoki, le percussionniste Tsuchitori Toshi, collaborateur de Peter Brook, et le chorégraphe de danse butō Akaji Maro.

Éric-Maria Couturier a travaillé avec les plus grands chefs d'orchestre comme Pierre Boulez, Wolfgang Sawallisch, Georg Solti, Carlo-Maria Giulini, Peter Eötvös, Susanna Mälkki, Jonathan Nott, Pierre Bleuse, Esa-Pekka Salonen. Il se produit en soliste dans les concertos pour violoncelle de Haydn, Dvořák, double de Brahms, Shostakovich, Eötvös, Fujikura, Kurtág, Merlin, Pfitzner, Saariaho et Robin, dont il est dédicataire du concerto Quarks.

Passionné de pédagogie basée sur l'improvisation et par la découverte de techniques nouvelles, il créé Les Ateliers du violoncelle avec Noémie Boutin et Vincent Courtois avec qui il joue régulièrement en duo.

Il joue les archets de Claudia Carmona et Jean Grumberger.

Vincent Courtois

De sa formation classique, Vincent Courtois garde la technique, la précision et la maîtrise de l'instrument. Sa curiosité et son éclectisme l'amènent tout d'abord à jouer dans diverses formations de musiciens aux univers très différents, des Rita Mitsouko à Christian Escoudé en passant par Michel Petrucciani et Michel Portal.

Auprès de Sylvie Courvoisier, Dominique Pifarély, Joëlle Léandre et Joachim Kühn, il renoue avec l'aspect classique de son instrument. Sa participation aux formations de Rabih Abou Kahlil le libère en tant que soliste.

Sa rencontre avec Louis Sclavis dont il partage l'approche cinématographique de la musique, révèle en lui un sens aigu de la mélodie. Fort de ses multiples expériences, Vincent Courtois développe une recherche musicale singulière. La base de son processus créatif est un jeu de correspondances, un juste équilibre de personnalités et d'énergies, un effet de contraste, des idées de son, d'image, d'incertitude et de silence. Créant ainsi une musique où la liberté est paradoxalement gérée dans une rigueur absolue, attentive jusqu'au moindre détail, il donne sa chance au collectif et sa place à chacun, menant son travail de création dans un esprit de confiance et de partage.

La sieste musicale
Samedi 18 juillet 2025, 16h, Cloître du Prieuré Saint Pierre

Duo NIMA
Iris Keller soprano 

Favio Banni guitare

Seguidillas Fernando Sor

Les Seguidillas sont un ensemble de douze chansons espagnoles, composées dans les années 1790 et 1800 par Fernando Sor pour voix accompagnée de guitare ou de piano. Ces morceaux abordent avec une touche d'humour ou de finesse des thèmes amoureux ou traditionnels, comme la nostalgie, l'amour, ou la vie quotidienne. Ils occupent une place importante dans l'histoire de la chanson espagnole et de la musique populaire en général.

•Cesa de atormentarme (Cesse de me tourmenter)
•De amor en las prisiones (D'amour dans les prisons)
•Acuérdate ben mío (Souviens-toi, ma belle)
•Prepárame la tumba (Prépare mon tombeau)
•Cómo ha de resolverse? (Comment le résoudre?)
•Muchacha... y la verguenza (Jolie femme... et l'opprobre)
•Si dices que mis ojos (Si tu dis que mes yeux)
•Los canónigos, madre (Les chanoines, mère)
•El que quisiera amando (Celle qui veut aimer)
•Si a otro cuando me quieres (Si c'est un autre quand tu m'aimes) •Las mujeres y cuerdas (Les femmes et les cordes)
•Mis descuidados ojos (Mes yeux désabusés)

Fernando Sor, guitariste et compositeur espagnol né le 14 février 1778 à Barcelone et décédé le 10 juillet 1839 à Paris, est une figure emblématique de la guitare classique, dont l'œuvre, la pédagogie et l'influence ont durablement marqué le monde de la musique. Il est considéré comme l'un des premiers à avoir élevé la guitare au rang d'instrument de concert dans la musique classique.

Son engagement à rendre la musique accessible tout en conservant une grande exigence artistique en fait une référence incontournable dans l'histoire de son instrument.

Cinq mélodies populaires grecques Maurice Ravel

Les Cinq mélodies populaires grecques sont un recueil de chants traditionnels harmonisés par Maurice Ravel entre 1904 et 1906. Ces mélodies ont été recueillies principalement sur l'île de Chio par Hubert Pernot, puis mises en musique par Ravel à Paris. Elles illustrent son intérêt pour la musique folklorique grecque, qu'il a harmonisée avec simplicité et finesse, conservant leur couleur authentique tout en y apportant sa touche harmonique personnelle. Ces œuvres restent emblématiques de l'intégration de la musique folklorique dans la composition classique.

• Chanson de la mariée : Réveille-toi, perdrix mignonne — Modéré,

• Là-bas, vers l'église — Andante,

• Quel galant m'est comparable — Allegro,

• Chanson des cueilleuses de lentisques : Ô joie de mon âme — Lent,

• Tout gai ! — Allegro,
  

"Ballata dall'Esilio" Mario Castelnuovo-Tedesco 

La "Ballata dall'Esilio" est une œuvre de Mario Castelnuovo-Tedesco, qui fait partie de ses compositions pour voix et guitare. Elle évoque un thème d'exil ou de séparation, dans la tradition poétique de la ballade, avec une forte charge émotionnelle.

Mario Castelnuovo-Tedesco est reconnu comme un des plus grands esthètes parmi les compositeurs italiens du XXe siècle. Il a été influencé par la musique de la fin de la période romantique tout en y incorporant des éléments modernes.

"Stächen" , "Frühlingsglaube" et "Sehnsucht" Franz Schubert

Ces trois œuvres illustrent la sensibilité romantique de Schubert, mêlant amour, espoir et mélancolie et sont représentatives de son talent pour traduire en musique des émotions profondes à partir de poèmes lyriques. Elles sont caractérisées par leur mélodie expressive et leur atmosphère intime, typique du style romantique et captivent par leur profondeur émotionnelle.

Stächen
Il s'agit d'une chanson lyrique, souvent interprétée comme un chant d'amour ou de tendresse.

romantique.

Frühlingsglaube (Foi en printemps)

C'est un lied basé sur un poème de Ludwig Uhland, évoquant la confiance et l'espoir liés au printemps. Le texte parle de la renaissance de la nature et de la nécessité de croire en un avenir meilleur, malgré l'incertitude.

Sehnsucht (Nostalgie ou désir profond)

"Sehnsucht" est un thème fréquent dans la musique romantique, exprimant un désir intense ou une aspiration vers quelque chose d'inaccessible. Schubert a composé plusieurs lieder portant ce titre, illustrant souvent un sentiment de mélancolie ou de rêve.

Hai luli Pauline Viardot

Haï luli est une chanson d'origine française écrite par Xavier de Maistre en 1825. Elle exprime la tristesse et l'inquiétude d'une personne qui attend son amour, qui ne vient pas, et qui se sent seule et désespérée face à l'incertitude de ses sentiments et de la fidélité de son compagnon.

Hai luli est associée à Pauline Viardot-García (1821-1910), chanteuse mezzo-soprano, compositrice et pianiste française d'origine espagnole. Fille du ténor Manuel García et sœur de la célèbre soprano Maria Malibran, elle a été l'une des plus grandes interprètes dramatiques de l'opéra au 19e siècle. En plus du chant, elle était également compositrice.Elle a laissé une œuvre musicale importante, ainsi qu'un héritage culturel et artistique,

Siete Canciones Populares Españolas Manuel de Falla

Les Siete Canciones Populares Españolas est un cycle de mélodies pour voix et piano composé par Manuel de Falla en 1914. Cette œuvre est l'une des compositions les plus populaires et les plus souvent interprétées de Falla, ainsi que l'une des plus arrangées. Les chansons proviennent de différentes régions d'Espagne, avec des styles variés. Les textes abordent des thèmes d'amour et de séduction, traités de manière ludique, sérieuse ou tragique et la musique s'inspire du folklore espagnol,

L'accompagnement joue un rôle essentiel, notamment dans des morceaux comme "Jota" et "Polo", où il fournit des ritournelles brillantes et des notes rapides qui renforcent l'expressivité vocale. La mélodie de chaque chanson conserve l'esprit folklorique tout en étant enrichie par des arrangements sophistiqués.

Falla expliquait qu'il privilégiait l'esprit du chant populaire plutôt que la lettre, en insistant sur l'importance du rythme, de la modalité et des inflexions ornementales. Il considérait que

l'accompagnement rythmique et harmonique était aussi crucial que la mélodie elle-même, cherchant à capter l'essence du peuple espagnol dans ses œuvres.

• El paño moruno (« Le drap mauresque ») — Allegro vivace.

• Seguidilla murciana (« Séguédille murcienne ») —Allegro spirituoso.

• Asturiana (« Asturienne ») — Andante tranquillo.

• Jota— Allegro vivo.

• Nana (« Ma petite ») — Calmo e sustenuto.

• Canción (« Chanson ») — Allegretto.

• Polo — Vivo.

 Os teus olhos Traditionnel portugais

L'expression « os teus olhos », tes yeux, évoque une image poétique et sentimentale très présente dans la culture portugaise, notamment dans la musique, la poésie et la littérature.

Dans le contexte du fado et de la poésie portugaise, « os teus olhos » sont fréquemment associés à des sentiments intenses, tels que la passion, la tristesse ou la nostalgie, et servent à exprimer des émotions profondes, souvent liées à l'amour, à la saudade ou à la mémoire de la terre natale. Les yeux évoqués sont porteurs de la douleur et de la mélancolie du peuple portugais, en particulier ceux qui ont quitté leur pays. La métaphore des « larmes » dans les yeux renforce cette idée que les yeux sont le reflet d'une douleur collective et personnelle.

Duo NIMA
Iris Keller, soprano

Flavio Banni, guitare

Flavio Banni et Iris Keller collaborent dans un programme où la guitare et le chant s'unissent pour transmettre la « saudade », ce sentiment portugais de nostalgie. Leur duo propose ainsi un voyage musical à travers deux siècles de nostalgie, mêlant chanson et musique classique.

Iris Keller est une soprano française, membre de l'HEMU (Haute École de Musique de Lausanne). Elle participe à des projets musicaux variés, notamment dans le cadre du programme « Saudade Europé » où elle interprète des œuvres en plusieurs langues (espagnol, allemand, italien, français, portugais) évoquant la nostalgie et l'amour doux-amer.

Flavio Banni est un guitariste reconnu pour ses interprétations émouvantes de musique romantique. Il possède un répertoire varié allant de la renaissance au contemporain du XXIe siècle. Il est spécialisé dans la transcription et l'interprétation de la musique de luth du XVIe au XVIIIe siècle, et collabore avec des compositeurs contemporains. Il a débuté la musique à l'âge de neuf ans, a étudié au Conservatorio Giovanni Pierluigi Da Palestrina, puis à Maastricht avec Carlo Marchione, et poursuit actuellement ses études à la Musik-Akademie de Bâle sous la direction de Pablo Marquez. En plus de la représentation, il enseigne la guitare, notamment à des réfugiés, et joue sur une guitare classique en bois massif fabriquée par le luthier italien Rinaldo Vacca

Les concerts du prieuré 

Adam LALOUM, piano

samedi 19 juillet 2025, 19h église de Ternay

Sonate en fa dièse mineur n°1 op.11 Robert Schumann

La Sonate pour piano n°1 en fa dièse mineur, opus 11 de Robert Schumann, est la première de ses trois sonates pour clavier. Composée entre 1832 et 1835, elle a été créée par Clara Schumann à Leipzig. Elle porte la mention « pour Clara, de Florestan et Eusebius » reflétant la vie sentimentale de Schumann et sa dualité interne entre impulsivité poétique (Florestan) et mélancolie tendre (Eusebius).

Cette œuvre, passionnée et héroïque, présente un accès difficile en raison de son développement thématique compliqué, mais elle a suscité l'admiration de Franz Liszt. Elle comporte quatre mouvements :

Introduzione « un poco adagio » suivi d'un « allegro vivace
Aria « senza passione ma espressivo »
Scherzo « allegrissimo » suivi d'un Intermezzo « lento, alla burla ma pomposo » Finale : « allegro un poco maestoso »

Elle débute par une introduction interrogative, suivie d'un Allegro fougueux et obsédant, avec des modulations et changements de tempos. L'Aria est une romance poétique, tandis que le Scherzo, plein d'humour et de burlesque évoque une scène de rue insolite. Le très long Finale mêle plusieurs thèmes avec des modulations fréquentes, se termine sur une note inattendue en fa dièse majeur.

Cette sonate témoigne de la tension entre respect de la tradition et aspiration au renouvellement de Schumann, intégrant des éléments autobiographiques et des motifs empruntés à d'autres de ses œuvres. Elle est également notable pour ses détails de construction innovants, comme la réapparition de l'introduction dans le développement ou la forme ABACA du Scherzo. C'est une pièce majeure du répertoire pianistique, appréciée pour sa richesse expressive et sa complexité structurelle.

Robert Schumann (1810 - 1856)

Il est né en 1810 à Zwickau en Saxe, dans une famille liée à la littérature et à l'édition. Très tôt, il s'initie au piano, d'abord en autodidacte, puis sous la tutelle de Friedrich Wieck, ce qui le conduit à rencontrer Clara Wieck, qui deviendra sa femme.

Schumann commence sa carrière en composant des pièces pour piano, notamment des cycles célèbres tels que Papillons, Carnaval, et Kinderszenen. En 1840, il se tourne vers la composition de lieder, créant des cycles majeurs comme Dichterliebe et Frauenliebe und Leben. Il compose également des œuvres orchestrales, dont la Symphonie du printemps et le Concerto pour piano en la mineur, ainsi que des œuvres de musique de chambre.

Souffrant de troubles mentaux, Schumann est victime de crises de démence à partir de 1854, ce qui le conduit à être interné dans un asile à Endenich, près de Bonn, où il décède en 1856 à l'âge de 46 ans des suites d'une cachexie liée à sa maladie mentale. Celle-ci, caractérisée par des hallucinations et une dégradation progressive de ses capacités, a influencé sa production musicale et la fin de sa vie.

Reconnu comme l'un des pères du romantisme musical, Schumann a laissé un héritage riche, notamment dans la musique pour piano, les lieder et la symphonie. Son influence est encore palpable aujourd'hui et il est considéré comme une figure majeure de la musique classique.

2 Rhapsodies, Op. 79 Johannes Brahms

Les 2 Rhapsodies, Op. 79, pour piano, ont été composées par Johannes Brahms en 1879 lors de son séjour d'été à Pörtschach. Elles ont été dédiées à son amie, Elisabeth von Herzogenberg, une musicienne et compositrice. À la suggestion de cette dernière, Brahms a changé le titre de ces œuvres de « Klavierstücke » (pièces pour piano) en « Rhapsodies », malgré sa réticence initiale. Elles ont été jouées pour la première fois en 1880 à Krefeld avec Brahms lui-même au piano.

Chaque pièce comporte plusieurs thèmes, avec des contrastes entre passages passionnés et passages tendres et l'utilisation sophistiquée de modulations et d'instabilités tonales.

La Rhapsodie n° 1 en si mineur « Agitato » possède une structure de mini-sonate avec une partie lente encadrée par deux sections rapides. Elle présente un premier thème véhément et dramatique, suivi d'un second doux et mélancolique, avec un final « Fortissimo ».

La Rhapsodie n° 2 en sol mineur « Molto passionato, ma non troppo allegro » est plus compacte et suit une forme plus conventionnelle. Elle est caractérisée par une grande expressivité passionnée, intégrant des échos mystérieux et héroïques et culminant dans une apothéose en sol mineur.

Brahms a écrit ces œuvres durant sa période de maturité. Considérées comme une de ses dernières créations majeures, elles reflètent une œuvre à la fois intime et épique, riche en contrastes et en expressivité, témoignant de la maîtrise de Brahms dans la composition pour piano.

Johannes Brahms (1833 - 1897)

Né à Hambourg, il passa la majorité de sa carrière à Vienne, où il devint une figure respectée, notamment en dirigeant la Singakademie et en composant ses œuvres majeures. Ami de Joseph Joachim, Robert Schumann, Franz Liszt, Clara Schumann, il entretient une relation profonde avec cette dernière, avec qui il échangea des lettres passionnées. Mais leur lien se distendra après la mort de Robert Schumann. Compositeur, pianiste et chef d'orchestre, Johannes Brahms est l'un des musiciens les plus importants de la période romantique. Considéré parfois comme trop académique ou comme le « successeur de Beethoven » , il laisse un héritage musical considérable, notamment dans la musique de chambre, la symphonie, le concerto et la musique vocale. C'est une figure emblématique de la musique romantique, utilisant largement les structures classiques tout en introduisant des couleurs musicales riches et des mélodies inventives. Avec une forte influence de Palestrina, Bach, Haendel, Beethoven, Schumann, son œuvre s'inscrit dans la tradition musicale de toute l'Europe.Alliant tradition et innovation, influençant de nombreux compositeurs comme Dvořák, Strauss ou Bartók, elle a résisté à l'épreuve du temps, restant très jouée et appréciée.

Adam LALOUM  Pianiste

Adam Laloum, né en 1987 à Toulouse, est considéré comme l'un des plus grands talents de sa génération. Lauréat du concours Clara Haskil en 2009 à l'âge de 22 ans, il a également été nommé « Instrumentaliste de l'année » lors des Victoires de la Musique classique en 2017. Il a reçu une reconnaissance internationale grâce à ses performances avec de prestigieux orchestres tels que le Mariinsky Orchestra, le Deutsches Sinfonieorchester Berlin, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, et l'Orchestre de Paris, entre autres. Laloum se produit en récital dans des salles renommées comme le Théâtre des Champs-Élysées, Wigmore Hall, et la Tonhalle Zürich, ainsi qu'au sein de festivals prestigieux.

Son premier disque, consacré à Brahms, a été salué par la critique. Il a ensuite enregistré des œuvres de Schumann, Schubert, Brahms, et d'autres compositeurs, recevant plusieurs distinctions telles que le Diapason d'or, le Grand Prix de l'Académie Charles Cros, et un CHOC de Classica. En 2020, il a sorti un album de sonates de Schubert, également très apprécié. Laloum est aussi un musicien de chambre actif, notamment avec le Trio Les Esprits, et a collaboré avec des artistes comme Lise Berthaud et Raphaël Sévère.

Adam Laloum est également connu pour ses engagements politiques et sociaux, notamment ses prises de position en faveur de la paix et de la justice, ainsi que pour ses convictions personnelles en tant que franco-israélien. Il est très impliqué dans la diffusion de la musique classique, notamment à travers la fondation du festival de musique de chambre Les Pages musicales à Lagrasse, qu'il dirige depuis 2015.

Son style est souvent décrit comme poétique et sensible, avec une prédilection pour le répertoire romantique, notamment Schubert, Schumann, et Brahms. Il privilégie une approche introspective et authentique, évitant les répertoires plus modernes qui ne correspondent pas toujours à ses moyens ou à sa sensibilité.

Il envisage de continuer à enregistrer des concertos avec orchestre, notamment ceux de Brahms, et reste très actif dans la scène musicale internationale, tout en restant fidèle à ses valeurs personnelles et artistiques. 

Les nocturnes du château 

Samedi 19 juillet 2025, 21h

Cour du Château

Nathan MIERDL violon solo Orchestre Philharmonique de Radio France 

Amandine SANCHEZ soprano-colorature

Mehdi LOUGRAÏDA direction
sÔlis orchestra

Concerto pour violon Piotr Ilitch Tchaïkovski

Le Concerto pour violon en ré majeur, Op. 35 de Piotr Ilitch Tchaïkovski est une œuvre emblématique du répertoire classique. Elle a été inspirée par la symphonie espagnole d'Édouard Lalo, que Tchaïkovski a entendue lors d'un voyage en Europe. La composition a été achevée en 1879, peu après une période difficile pour le compositeur, marquée par des événements personnels et professionnels. L'œuvre est dédiée à Adolf Brodsky, qui en a été le premier interprète lors de sa création à Vienne sous la direction de Hans Richter. Initialement, le concerto était destiné au violoniste Leopold Auer, mais celui-ci a refusé de le jouer en raison de sa difficulté. Plus tard, il a modifié certains passages pour le jouer lui-même !

Il comporte trois mouvements :

• Allegro moderato (ré majeur)

• Canzonetta, Andante (sol mineur)

• Finale, Allegro vivacissimo (ré majeur)

Ce concerto est reconnu pour ses passages lyriques et sa virtuosité étourdissante. Le début du concerto est inoubliable : après une introduction orchestrale, le soliste fait son entrée a cappella, dans un style improvisé. Il poursuit seul, jusqu'au moment où, accompagné par l'orchestre, il entonne le chaleureux thème principal du premier mouvement. Le deuxième mouvement est une « canzonetta » (chansonnette, en italien), douce et triste, qui peut se jouer avec la sourdine, le compositeur laissant le choix au soliste. Le dernier mouvement est construit sur le rythme du « trépak », une danse cosaque rapide et spectaculaire. L'œuvre se termine dans un tourbillon irrésistible.

Le Concerto pour violon de Tchaïkovski est une œuvre passionnée, techniquement exigeante et profondément expressive, qui continue d'être l'une des pièces maîtresses du répertoire pour violon et orchestre.

Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893)

Piotr Ilitch Tchaïkovski est un compositeur russe emblématique de l'époque romantique. Né à Votkinsk dans une famille noble, il a été élevé dans un environnement où la musique a été encouragée dès son jeune âge, notamment par des cours de piano. Il mourut en 1893 à Saint-

Pétersbourg, probablement du choléra ou par suicide, les causes exactes restant sujettes à débat. C'était un homme hypersensible, sujet à des crises de dépression et dont homosexualité est bien documentée.

Tchaïkovski a composé dans tous les genres musicaux, mais il est particulièrement connu pour ses symphonies, dont les n° 4, 5 et 6 (Pathétique), opéras, pièces pour piano, mélodies,ballets, dont Le Lac des cygnes, Casse-Noisette, La Belle au bois dormant.

Son style mêle influences occidentales et éléments folkloriques russes, avec une orchestration riche et une mélodie expressive. Il a innové dans la musique de ballet, donnant ses lettres de noblesse à ce genre.
Aujourd'hui, Tchaïkovski est considéré comme l'un des plus grands compositeurs russes et universels, dont l'œuvre continue d'influencer le monde musical, tant dans la musique classique et le ballet que dans la culture populaire.

Prélude à l'après-midi d'un faune Claude Debussy

Le Prélude à l'après-midi d'un faune est l'une des œuvres les plus célèbres de Claude Debussy, composée entre 1892 et 1894. Elle marque un tournant dans l'écriture orchestrale du compositeur, illustrant son style impressionniste caractéristique. Debussy s'est inspiré du poème éponyme de Stéphane Mallarmé, qu'il a traduit en musique avec une grande liberté, visant à suggérer plutôt qu'à résumer le poème. La composition reflète une atmosphère onirique, mystérieuse et sensuelle, évoquant la nature, le rêve et le désir.

La pièce se distingue par sa douceur, son expressivité et son innovation harmonique. La place d'honneur est donnée aux instruments à vent, notamment la flûte qui joue un rôle central avec un thème chromatique librement rythmique. L'orchestration est particulière, avec notamment deux harpes et l'absence de trompettes, tuba ou trombones, ce qui contribue à son caractère éthéré.

Lors de sa première, le public parisien a été conquis, nécessitant une seconde représentation. Debussy, admirateur de Wagner mais s'éloignant de son style, développe un langage musical personnel et mystérieux, considéré par certains comme plus faune qu'humain. Le prélude est souvent associé à la musique impressionniste, illustrant une nouvelle manière de composer, axée sur la suggestion et l'atmosphère.

Ce prélude est considéré comme une œuvre emblématique de la musique impressionniste,, marquant un point de rupture dans la musique de Debussy et illustrant son talent pour créer des atmosphères sonores innovantes et poétiques.

Claude Debussy

Claude Debussy, né à Saint-Germain-en-Laye en 1862 m et mort à Paris en 1918, est considéré comme un précurseur de nombreuses tendances musicales modernes.

Il est souvent associé à l'impressionnisme, bien qu'il n'ait jamais revendiqué cette étiquette, préférant parler d'une musique inspirée par la nature, la couleur, la poésie, et les impressions sensorielles. Il marque, avant tout, une rupture avec les formes classiques, développant un langage musical propre souvent considéré comme une révolution dans l'histoire de la musique

Debussy a laissé une œuvre de 227 pièces, ; Petite Suite (1888-1889), Arabesques (1890-1891), Suite bergamasque (1905), Préludes (1910-1912), La Mer (1905),Pelléas et Mélisande (1893- 1902), son unique opéra achevé, qui marque une rupture avec la tradition lyrique française. Son influence dépasse la musique, touchant aussi la peinture et la littérature. 

Symphonie n° 9 « Du Nouveau Monde » Antonín Dvořák

La Symphonie n° 9 en mi mineur, op. 95, intitulée « Du Nouveau Monde », a été composée par Antonín Dvořák en 1893. Elle est la plus célèbre des neuf symphonies de l'auteur et figure parmi les œuvres les plus populaires du répertoire symphonique moderne.

Dvořák a écrit cette symphonie durant son séjour aux États-Unis (1892-1896), où il était directeur du Conservatoire de New York. Il a affirmé ne pas avoir emprunté de mélodies spécifiques, mais s'être inspiré de la musique populaire américaine et de la scène indienne évoquée dans le poème « Hiawatha » de Longfellow. Il a plutôt créé des thèmes originaux, utilisant des rythmes modernes, des contrepoints et des couleurs orchestrales pour évoquer cette influence. La symphonie est riche en rythmes typiques, modes pentatoniques et éléments mélodiques évoquant la culture américaine, tout en conservant une forte identité slave et tchèque.

L'oeuvre comporte quatre mouvements, reliés par des thèmes récurrents, notamment dans le finale :

• Adagio - Allegro molto : introduction mystérieuse suivie d'un allegro héroïque.

• Largo : célèbre pour son solo de cor anglais, considéré comme le mouvement le plus emblématique et typiquement américain.

• Scherzo : Molto vivace : inspiré d'une scène de fête indienne, avec un trio européen.

• Allegro con fuoco : puissant et majestueux, clôturant l'œuvre en apothéose.

La symphonie « Du Nouveau Monde » a rencontré un immense succès dès sa première représentation en 1893. Elle est souvent considérée comme une symphonie « Du Monde Entier » en raison de ses influences culturelles diverses. Elle reste un symbole de l'échange culturel entre l'Europe et l'Amérique, tout en étant une œuvre profondément personnelle de Dvořák, mêlant ses racines slaves à ses impressions américaines.

Antonín Dvořák

Antonín Dvořák (né dans un village près de Prague en 1841, mort à Prague en1904) est un compositeur emblématique du XIXe siècle, reconnu pour ses œuvres qui mêlent harmonieusement les éléments du romantisme allemand et l'âme slave. Son style musical se caractérise par des mélodies naturelles, des atmosphères évocatrices de la nature, ainsi que par l'intégration de rythmes et de motifs folkloriques tchèque et slave, tels que la polka, le furiant et la dumka. Dvořák a également influencé la musique américaine, encourageant les jeunes compositeurs à puiser dans leurs traditions populaires.

Ses œuvres ont largement contribué à la promotion de la culture tchèque et slave et sont encore régulièrement jouées dans le monde entier. Parmi les plus célèbres:

Les Danses Slaves (1878-1886), série de 16 danses célébrant la richesse du folklore slave, aux des rythmes enjoués.

Rusalka (1900), opéra lyrique basé sur un conte de fées slave, racontant l'histoire d'une nymphe aquatique aspirant à devenir humaine pour l'amour d'un prince, célèbre pour ses mélodies enchanteresses et sa narration émouvante.

L'Air des clochettes dans Lakmé Léo Delibes

L'air des clochettes est l'un des morceaux les plus célèbres de l'opéra Lakmé, composé par Léo Delibes en 1883. Cet air est particulièrement reconnu pour sa difficulté technique, notamment ses contre-mi (mi 5), et est souvent interprété par des sopranos coloratures en raison de sa tessiture aiguë, pure et agile.

Il se trouve dans le deuxième acte de l'opéra, lors de la scène où Lakmé chante la légende de la fille du paria, une histoire qui raconte comment une enfant paria sauva la vie d'une divinité hindoue en faisant sonner des clochettes pour détourner des bêtes sauvages. La chanson évoque la jeunesse, la légende, et la magie de la forêt, tout en étant une démonstration de virtuosité vocale. Les paroles décrivent la jeune fille Hindoue courant dans la forêt, faisant sonner ses clochettes pour protéger un voyageur perdu, Vishnou, qu'elle sauve en lui signalant sa présence. La légende raconte que depuis ce jour, le son des clochettes résonne dans la forêt, symbolisant la pureté et la bravoure de Lakmé.

L'air des clochettes a été repris dans des films, publicités et séries télévisées en raison de sa mélodie captivante et de sa virtuosité vocale.

Léo Delibes a créé avec cet air une pièce emblématique de l'opéra français, mêlant exotisme, virtuosité et expressivité, qui continue d'être un défi pour les chanteuses et une pièce appréciée du public.

Léo Delibes

Léo Delibes (1836-1891) est un compositeur français principalement reconnu pour ses œuvres dans le domaine du ballet, de l'opéra-comique et des mélodies, dont la grâce et l'exotisme ont marqué l'histoire de la musique

Il est considéré comme un maître de la musique légère, élégante et mélodieuse, reflet de l'esprit du Second Empire. Il est le premier à avoir écrit de la musique de grande qualité pour le ballet, influençant des compositeurs comme Tchaïkovski. Son œuvre a été largement reconnue, avec une influence durable dans la musique française et mondiale.

"Les oiseaux dans la charmille" dans Les Contes d'Hoffmann Jacques Offenbach

Les oiseaux dans la charmille est une aria célèbre de l'opéra Les Contes d'Hoffmann composé par Jacques Offenbach en 1881. Elle est chantée par le personnage d'Olympia, une poupée mécanique, dans le premier acte de l'opéra. Dans cette scène, la poupée captive Hoffmann qui tombe amoureux d'elle. L'aria symbolise la fascination de Hoffmann pour Olympia, qui, malgré sa nature mécanique, évoque des sentiments sincères et une innocence touchante. C'est une chanson délicate et joyeuse, évoquant la beauté et la légèreté des oiseaux dans une charmille, symbolisant l'amour et l'innocence.

La musique est connue pour sa difficulté technique qui en fait un défi pour les sopranos coloratures, mais aussi une pièce emblématique du répertoire lyrique français.

Jacques Offenbach
Jacques Offenbach (né à Cologne en 1819, mort à Paris 1880) est un compositeur et violoncelliste franco-allemand considéré comme le maître de l'opéra-bouffe français. Il est connu pour ses mélodies courtes, ses parodies, ses chansons humoristiques et ses œuvres satiriques qui critiquent la société de son époque, notamment le Second Empire. Son œuvre se distingue par une grande maîtrise des effets dramatiques et musicaux, avec une capacité à faire rire tout en restant musicalement sophistiquée. Elle a été longtemps sous-estimée en France à cause de son association avec l'ancien régime, mais elle est aujourd'hui reconnue comme un pilier de la musique légère et du théâtre musical. Plusieurs de ses opéras, notamment Les Contes d'Hoffmann, restent parmi les œuvres françaises les plus jouées dans le monde. Parmi ses oeuvres majeures citons : Orphée aux Enfers, La Belle Hélène, La Vie parisienne, La Grande-duchesse de Gérolstein , La Périchole et Les Contes d'Hoffmann.

sÔlis Orchestra

sÔlis Orchestra a été fondé en 2023 par son directeur artistique Mehdi Lougraïda. Il s'agit d'un orchestre à géométrie variable réunissant 50 musiciens issus de Perpignan, Lyon et Paris.

Basé en Occitanie, l'orchestre se produit en France et à l'étranger, défendant la création musicale en proposant une immersion sonore et en décloisonnant le répertoire symphonique avec des collaborations inhabituelles. Son programme musical comprend des grandes oeuvres classiques, des musiques électro, romantiques, romanesques, vitales, sincères, et avant-gardistes.

Mehdi Lougraïda

Né en 1985, Mehdi Lougraïda s'est passionné dès son plus jeune âge pour la musique. À 14 ans, il entre au Conservatoire à Rayonnement Régional de Lyon, où il étudie la flûte traversière avec Michel Lavignolle, ainsi que l'analyse, l'écriture et la musique de chambre. En 2009, il obtient son Diplôme d'Études Musicales en flûte traversière et intègre le Conservatoire de Rueil-Malmaison pour se perfectionner auprès de Pascale Feuvrier.

Il participe à de nombreuses masterclasses avec des artistes tels que Julien Beaudiment, Pascale Feuvrier et Benoît Fromanger. En 2009, il devient flûtiste à l'Orchestre des Sapeurs-Pompiers de Paris.

En septembre 2006, il est admis à l'École Normale de Musique de Paris en direction d'orchestre, où il travaille avec Dominique Rouits et l'Orchestre de l'Opéra de Massy. Il y obtient, en juin 2008, le Premier Prix du Diplôme Supérieur de Direction d'Orchestre, décerné à l'unanimité.

Mehdi a également remporté le prix de direction d'orchestre au 17e concours international de musique d'Ostrava, en République tchèque, en 2015. Il poursuit ses études au Conservatoire Royal de Bruxelles, où il décroche un master en direction d'orchestre en 2020.

Il a travaillé avec de grands chefs comme Wolfgang Doerner, David Reiland et Peter Eötvös, et a été l'assistant de Matthias Pintscher, Thierry Fischer et Alexandre Bloch. Il a également collaboré avec des compositeurs contemporains tels que Helmut Lachenmann et György Kurtág.

Mehdi Lougraïda a dirigé des orchestres prestigieux en Europe et au-delà, notamment l'Orchestre de Paris, l'Orchestre National de Lille, l'Orchestre Philharmonique de Liège, l'Orchestre Philharmonique du Maroc, l'Ensemble Intercontemporain, l'Orchestre Régional PACA de Cannes, le Danubia Orchestra de Budapest, The Järvi Academy Symphony Orchestra, The Gelderland Concert Choir et The South Netherlands Concert choir, l'Orchestre de Chambre du Luxembourg, l'Orchestre du Conservatoire Royal de Bruxelles, l'Orchestre de l'Opéra de Massy, l'Ensemble of Lucerne Festival Alumni, l'orchestre du Lucerne Festival Academy, l'Orchestre d'Opéra Eclaté, l'Orchestre Symphonique Région Centre-Val de Loire à l'opéra de Tours, l'orchestre symphonique du Loiret, l'orchestre symphonique d'Orléans, l'orchestre de chambre Simon Bolivar à Caracas, l'orchestre de chambre royal de Wallonie en Belgique...

Il a également occupé des postes clés, notamment comme chef adjoint de l'Orchestre des Sapeurs-Pompiers de Paris et directeur musical de l'Orchestre Symphonique Inter-universitaire de Paris.

Aujourd'hui, il partage son temps entre son rôle de professeur de direction d'orchestre au CRR de Perpignan, sÔlis orchestra comme directeur musical et la direction artistique du Festival de Musique de Ternay.

Nathan Mierdl

Nathan Mierdl commence l'apprentissage du violon en Allemagne. Il entre ensuite au Conservatoire de Dijon dont le cursus le mène vers la classe de Christophe Poiget. Il obtient son Master au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris en 2018 dans la classe de Roland Daugareil. Pendant ses études, il suit l'enseignement de l'Académie de l'Orchestre philharmonique de Radio France, et celle de l'Orchestre de Paris, tremplins qui lui permettent de rentrer à l'Orchestre national de France, puis de devenir deuxième violon solo à l'Orchestre philharmonique de Radio France. Il est nommé premier violon solo en janvier 2023. Par ailleurs, il est lauréat de concours prestigieux. En 2024, Nathan remporte le Premier Prix, ainsi que le prix du public et le prix de l'orchestre lors du 20e Concours International de l'Orchestre philharmonique du Maroc. Déjà en 2018, il obtenait le deuxième prix au Concours International Yehudi Menuhin, ainsi que le prix des auditeurs Internet, le prix de la pièce contemporaine composée pour le concours, et le prix « Talent exceptionnel ». Par ailleurs, il avait auparavant obtenu le premier prix du Concours international Ludwig Spohr de Weimar en 2013, le deuxième prix au concours international de violon de Mirecourt en 2014 et des prix aux Concours Rodolfo Lipizer et Ginette Neveu en 2015. Ces distinctions lui permettent d'être invité à se produire en tant que soliste avec des orchestres renommés, tels que la Staatskapelle de Weimar, l'Orchestre de l'Opéra national de Lorraine, l'Orchestre de Dijon-Bourgogne, le London Philharmonic Orchestra, l'Orchestre de l'Opéra de Massy, ainsi que dernièrement l'Orchestre philharmonique du Maroc et l'Orchestre Royal de Chambre de Wallonie.

Nathan se produit dans de nombreux festivals, tels que le Gstaad Menuhin Festival, le Festival des Arcs, ainsi que le Festival Radio France de Montpellier-Occitanie, et dans certaines des plus belles salles européennes de la musique classique, comme le Wigmore Hall à Londres, le Victoria Hall à Genève ou encore l'Auditorium de Radio France à Paris.

Il a l'occasion de partager la scène avec de grands artistes, comme Régis Pasquier, Kirill Gerstein, Shekku Kanneh-Mason, Anna Vinnitskaya, Sarah Nemtanu, Adrien La Marca, Roland Pidoux, Michel Dalberto, Henri Demarquette mais aussi avec de grands ensembles, tels que le Quatuor Modigliani ainsi qu'avec des membres du Quatuor Belcea.

Pour approfondir son exploration de la musique de chambre, il crée en 2015 le quatuor Gaïa, avec lequel il obtient son master de musique de chambre en 2019 dans la classe de Jean Sulem. Il rejoint en 2022 le trio Metral aux côtés de Laure-Hélène Michel et de Victor Metral. Ensemble, ils réalisent en 2023 les enregistrement des trios d'Ernest Chausson et de Maurice Ravel, parus chez La Dolce Volta en octobre 2023.

Nathan joue un violon de Stephan Von Baehr 2021, spécialement conçu pour lui.

Amandine Sanchez

Amandine Sanchez, 21 ans, débute la musique avec l'alto, puis découvre le chant choral, et intègre en 2019 la classe de chant lyrique de Sabine Riva au conservatoire de Perpignan. Elle se perfectionne également auprès de Christian Papis. Obtenant son DEM de chant lyrique en 2024, elle termine en parallèle une licence de musicologie.

En 2023 elle est Rosine dans la version française du Barbier de Séville de Rossini. En 2024, elle se produit en récital avec l'orchestre Perpignan Catalogne (dir. Daniel Tosi), et est soliste dans La Passion selon Saint Marc de Bach, le Requiem de Fauré, le Requiem de Dan Forrest, le Stabat Mater de Pergolèse, le Salve Regina de Scarlatti, et le Gloria de Vivaldi.

Dans le cadre de masterclass au conservatoire de Perpignan, elle rencontre Emiliano Gonzalez Toro et Mathilde Etienne, avec lesquels elle s'initie à la musique baroque. En septembre 2024, elle participe au 13ème concours de chant baroque de Froville, où elle remporte le prix jeune espoir du château de Lunéville. Elle se produit avec l'ensemble I Gemelli, notamment au festival d'Ambronay (2024) et au château de Versailles (2025), dans La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina de Francesca Caccini. Elle les retrouvera en août et en novembre 2025 dans l'Orfeo de Monteverdi, (la Musica / Eurydice) ; en 2026 dans les Vêpres de Monteverdi ; et en 2027 dans Roland de Lully. 

En avril 2025, elle participe au 38ème concours de chant lyrique de Béziers, où elle remporte le 1er prix à l'unanimité ainsi que le prix du public.